Un peu de douceur pour une fois avec le rose dans l’art contemporain. Rapide tour d’horizon !

Lucio Fontana, Concetto spaziale

Yves Klein

Yue Minjun

Le char peint en rose par l’artiste David Cerny est hissé sur un bateau afin d’être transporté dans le centre de Prague

Christo

Le côté rose de la force, de Guillaume Renou.

Kata Legrady, Boms and candies

Ann Veronica Janssens, Rose, 2007

Leviathan, Anish Kapoor

Pink Panther, Jeff Koons 1988
Porcelaine, dans le salon de la Paix

Un diamant rose, toujours de Jeff Koons:

Un personnage de manga de Murakami.

Les cochons roses de Mac Carthy

Les pavés de paris

Joana Vasconcelos à Versailles

Alain Jacquet, Sans titre

Halim Karabibene

Viviane Rabaud rose palace

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« Il semblerait que de nos jours, l’art de l’installation soit le médium préféré de tout le monde. » Robert Smith, Critique d’Art, 1993

L’installation a commencé dans les années 60-70. Elle se caractérise par l’occupation éphémère ou pérenne d’un espace donné pouvant être intérieur ou extérieur. Différentes techniques d’expression et de représentation, comme la mise en espace de peinture, de sculptures ou d’objets, reviennent le plus souvent. Parfois la participation du spectateur est sollicitée affirmant ainsi le rôle du regardeur de manière dynamique. L’installation ne sollicite pas seulement le regard, elle est souvent immersive : elle enveloppe le spectateur dans un espace imaginaire et lui propose des expériences sensorielles nouvelles.

Installer Du latin médiéval « Installare »

Mettre un dignitaire dans une stalle

Mettre dans une charge ecclésiastique (XVème)

Mettre en un endroit (XVIème)

Installer une maison (XIXème)

« Si l’on cherchait à retracer quelles sont, en art, les sources et les racines profondes de ce que l’on recouvre aujourd’hui du nom d’installation, il faudrait sans doute remonter fort loin. Jusque, par exemple, aux crèches et aux tableaux vivants de nos églises qui, sans cesser de « faire tableau » et tout en continuant à s’offrir au spectateur dans le cadre d’une vision frontale, tendent déjà à sortir du cadre et à pénétrer l’espace environnant. Tout ce qui, ensuite, relève d’une forme de théâtralisation des arts plastiques aura contribué, dans le cours du XXe siècle, à la mise en place des éléments que l’on retrouve au sein de ce que l’on nomme, aujourd’hui, une installation. Celle-ci se présente, dans tous les cas, comme une sorte de chambre sensorielle, comme un espace (plus ou moins clos) au sein duquel le spectateur pénètre pour faire une expérience esthétique originale. L’étroite mise en relation des éléments de l’installation est capitale. Elle ne constituerait, autrement qu’une sorte de bric-à-brac de matériaux et d’objets divers.» Confronté à la bidimentionnalité de la peinture et à la tridimentionnalité de la sculpture, la situation de l’installation est, on le voit, très particulière. Elle se rapproche finalement davantage de l’architecture (et de ses habitacles) ou du théâtre (envisagé comme cube ou boîte ouverte). Ici se situe ce qu’il faudrait appeler le corps de l’installation, celle-ci apparaissant originellement comme une sorte de tableau qui se prolonge au-delà de lui même, ou comme une sculpture devenant environnement, rejoignant la dimension de l’habitacle » Histoire matérielle et immatérielle de l’art moderne, Florence de Mèredieu, Larousse, 2002

L’installation interroge de manière critique les typologies classiques des oeuvres d’art, elles peuvent être peintures créant une relation avec l’espace et il en va de même pour la sculpture. L’installation peut également questionner les nouveaux médiums comme la vidéo, internet, ou la photographie.

Les frontières entre l’artiste et sont public sont parfois remises en cause.

L’artiste Allan Kaprow parle, dès 1958, d’« environnement » pour qualifier ses productions (Kaprow 6) qui consiste en l’aménagement d’une salle nécessitant l’intervention ou la mise en situation du spectateur et du lieu en une sorte de happening, qualifiée plus tard de « performance ».

Allan Kaprow et des participants à l’happening « Yard » de 1967, à New York

Yves Klein invita le public à visiter l’espace de la galerie Iris Clert à Paris pour présenter sa dernière œuvre, « l’Exposition du vide » : sol, plafond et murs peints en blancs, le tout éclairé par une lumière bleutée. Les dimensions ludiques, participatives, mobiles sont déjà présentes dans ces œuvres avant-gardistes.

En 1960, Arman répond au vide de Klein en exposant le contenu de deux camions d’ordures déversées dans la même galerie, jusqu’à la rendre impénétrable et l’intitule Le plein.

Marcel Duchamp laisse de manière posthume une oeuvre Etant donnés commencée en 1946 et achevée en 1968. L’artiste parlait de cette oeuvre comme d’une approximation démontable accompagnée d’un cahier des charges. Modèle en kit, cette oeuvre a pu voyager de Musées en Musées.

Il est intéressant de faire le parallèle de ce dispositif avec l’oeuvre de Dürer, une gravure dans son traité de dessin.

En 1963 Wolf Vostell expose à la Galerie Smolin de New York une installation temporaire appelée 6 TV Dé-coll/age.  La vidéo offre pour la 1ère fois la possibilité de voir plusieurs images évoluer en même temps et dans un même espace.

Un artiste comme Nam June Paik fut le premier à utiliser une technique mixte, associant téléviseur, vidéo, sons et lumières.

L’une des difficultés à cerner ce médium est l’hétérogénéité des concepts auxquels il se confronte. Car l’installation n’est pas liée à un mouvement artistique particulier : on la retrouve régulièrement, avec deux points culminants dans les années 1980 et 1990, mise à l’honneur par certains groupes artistiques enclins à travailler des développements formels et conceptuels inédits.

Peinture et installation:

Buren a réalisé de nombreuses installations avec une réflexion sur la peinture. Ses rayures le caractérisent.

Tania Mouraud avec ses célèbres inscriptions de textes déformés sur les murs jusqu’à devenir illisibles nous donne un deuxième exemple. On voit bien que la peinture est spatialisée et conçue pour un lieu déterminé.

John Armelder

Barcelo, Salle des Droits de l’Homme. ONU, Madrid. 2009, la peinture est projetée au plafond.

Anish Kapoor, son canon projette des boules de cire sur les murs. (un mélange de cire et de vaseline, en réalité)

Installation aux Beaux-Arts de Nantes. L’ensemble bouge très lentement.

Georges Rousse installe ses anamorphoses peintes dans un espace donné.

L’installation et la sculpture:

Kurt Schwitters, Merzbau, on voit bien le dialogue avec l’espace environnant. L’oeuvre est faite en fonction du lieu. Kurt Schwitters, tout au long des années 1920, transforme plusieurs pièces de sa maison de Hanovre en un genre de sculpture habitable le Merzbau.

George Segall expose ses personnages moulés à partir du corps humain dans des environnements du quotidien.

Jean-Pierre Raynaud transforma sa maison en installation, en recouvrant toutes les surfaces de carreaux blancs

Ernesto Neto, « We stopped just here at time », 2002

La voûte de Lefevre, Matter design, la sculpture f-noue un dialogue avec l’espace architectural

L’installation et la photographie:

La photographie avec l’installation devient spatiale.

L’artiste JR a réalisé une installation monumentale de photographies au Panthéon

L’installation et la lumière :

Christian Boltanski, dans son œuvre « Les ombres » l’air agite avec des ventilateurs de petites figurines, qui projetées sur les murs alentour au moyen de spots lumineux deviennent irréelles et macabres

Claude Lévèque a réalisé des installations lumineuses. L’espace est redessiné par la présence de la lumière.

François Morellet avec ses néons:

James Turrell acquiert en 1977 un cratère en Arizona Roden Crater dans lequel il sculpte des cavités en béton pour voir le ciel. « Ce qui m’intéresse, c’est la nature de la perception. Je montre que la perception est une interaction du moi et de l’évènement… Dans mon œuvre, vous vous voyez en train de voir. C’est une opération réflexive… C’est l’acte d’éprouver, de sentir qui est sensuel et non l’objet de cette sensation. » 

L’installation et les objets:

Jean Tinguely

Damian Ortega, dans Cosmic Thing, déstructure une coccinelle Volkswagen et suspend chaque pièce comme un diagramme éclaté dans l’espace

-CHRISTO (né en 1935) & JEANNE-CLAUDE (1935-2009), Wall of Oil Barrels

Kawamata installe des chaises pour en faire des oeuvres monumentales. L’objet est accumulé et installé dans un équilibre qui peut nous apparaître instable.

Tony Cragg

Les installations de fils:

Chiharu Shiota

Claire Morgan

 L’installation et le spectateur :

L’art interactif est une forme d’art dynamique qui réagit à son public et/ou à son environnement. L’œuvre interactive est un objet informationnel, manipulable. On peut distinguer deux registres de l’interactivité : celle avec un agent humain et celle sans agent humain. Dans ce deuxième cas, l’agent peut être des éléments de la nature ou de l’environnement. Avec l’art interactif, le spectateur et/ou l’environnement deviennent des éléments de l’œuvre, au même titre que les autres éléments qui la composent. »

Chambre à musique de Jean-Robert Sedano et Solveig de Ory à Montpellier en 1983

Le Tunnel sous l’Atlantique (1995),Maurice Benayoun, installation interactive de réalité virtuelle reliant les villes de Paris et de Montréal

L’art interactif utilise souvent des moyens numériques, mais, ne faisant pas de la dimension numérique un caractère nécessaire, il ne peut être totalement confondu avec l’art numérique qui englobe l’art génératif et les productions faisant appel à la numérisation du signal sans interaction.

« Cloud » est une installation interactive de l’artiste Caitlind rc Brown exposée pendant la Nuit Blanche du 15 septembre 2012 à Calgary, en Alberta, au Canada.

Smigla-bobinski, installation interactive Œuvre qui ne peut fonctionner que si le spectateur la manipule ou se prête au jeu d’une expérience interactive ou sensorielle: c’est une oeuvre participative.

L’installation et l’immersion :

Yayoi Kusama, née en 1929 à Matsumoto, préfecture de Nagano est une des plus grandes artistes contemporaines au Japon.  Le travail de Kusama, qu’elle qualifie d’obsessionnel, est fondé sur la répétition et la multiplication de signes. L’année 1960 voit le lancement de son Manifeste de l’oblitération : « Ma vie est un pois perdu parmi des millions d’autres pois… ». Enfant, Kusama avait eu la vision hallucinatoire d’un motif en forme de pois décorant une nappe familiale se répéter dans la pièce. Dès lors, son univers en sera peuplé et ses installations habitées, d’une multitude de pois colorés mais aussi de miroirs ou de formes phalliques répétées à l’infini. Elle nous plonge dans son univers.

Chiharu Shiota

Personnes, Christian Boltanski, le spectateur évolue dans l’installation où il entend des coeurs battre, ceux des visiteurs. Il fait froid. La température invite au recueillement. Œuvre en trois dimensions dans laquelle le spectateur
peut entrer, il s’agit d’une oeuvre environnementale.

L’installation et les sens :

Les sens sont sollicités dans de nombreuses installation. Par exemple, l’oeuvre de Wolfgang Laib s’adresse pas seulement à la vue mais aussi à l’odorat. Personnes de Christian Boltanski quant à elle est une oeuvre à écouter.

Jesus Rafael Soto propose des pénétrables: des oeuvres à toucher avec les mains et avec le corps.

On peut non seulement admirer l’intervention architecturale de Penelope Stewart, mais on peut aussi la toucher et la sentir, ce que ne se gênent pas de faire les enfants.

 »Félix González-Torres », né le 26 novembre 1957 à Guáimaro et disparu prématurément à l’âge de 39 ans le 9 janvier 1996 à Miami. Il est américain d’origine cubaine, et c’est un artiste majeur de la scène artistique contemporaine. Félix Gonzalez-Torres aborde différents thèmes comme ceux de la maladie, de la mort et de la sexualité à une époque ou le sida se développe et soulève des enjeux politiques et sociaux déterminants. Lui même d’ailleurs est atteint de cette maladie et en mourra. Son installation qui convoque le goût met en scène les dangers de la transmission des maladies.

Les installations et le temps :

Les installations éphémères: Les installations jouent du paramètre temporel selon des modalités différentes. Les œuvre peuvent être pérennes, évolutives, provisoires, dégradables, éphémères…

Le Land Art est une tendance de l’art contemporain utilisant le cadre et les matériaux de la nature (bois, terre, pierres, sable, rocher, etc.). Le plus souvent, les œuvres sont à l’extérieur, exposées aux éléments, et soumises à l’érosion naturelle ; ainsi, certaines œuvres ont disparu et il ne reste que leur souvenir photographique et des vidéos.

Wolfgang Laib, oeuvre crée avec du pollen

Les premières œuvres ont été réalisées dans les paysages désertiques de l’Ouest américain à la fin des années 1960. Les œuvres les plus imposantes, réalisées avec des équipements de construction, portent le nom d’Earthworks.

Spiral Jetty deRobert Smithson (1970) était une longue jetée de 457 m de long et de cinq mètres de large environ au bord du Grand Lac Salé. Elle fut engloutie par une brusque montée des eaux en 1972

Christo et Jeanne Claude, réalisent de nombreux projets à grande échelle (empaquetage de monuments, encerclement d’îles, kilomètres de clôtures). La planification de leur travail prend des années pour une installation sur le site limitée dans le temps

L’installation et l’art numérique:

« multimédia »: terme adopté par la société Apple computer pour désigner la réunion sur un ordinateur personnel de l’image, vidéo, son et texte. Le support numérique permet de se réapproprier des médiums qui existaient déjà:  Il permet aussi et surtout d’apporter une esthétique nouvelle, un nouveau questionnement lié à un nouveau mode de
perception.

Pia Myrvold : Video Spiral Pink Hue, installation incluant 32 écrans Led. À l’origine peintre, la Norvégienne a fait du croisement des techniques « traditionnelles » et des nouvelles technologies sa spécialité.

Miguel Chevalier, Origine du monde

Jeffrey Shaw, le dispositif réagit en temps réel

Des installations hybrides:

Wang Du: Tunnel espace-temps , 2004, acier, journaux, téléviseurs et décodeurs numériques

Sortie du tunnel et entrée dans l’exposition… Les sens sont à l’oeuvre par l’intermédiaire du corps. Arts traditionnels et art numérique font bon ménage.

Une installation qui prend une amende:

Erwin Wurm est spécialiste des voitures courbes qui grimpent sur les murs. Un policier n’a pas compris qu’il s’agissait d’une oeuvre d’art et a collé un Procès verbal pour stationnement interdit avec une amende de 30 euros.

Sources:

http://www.ac-nice.fr/ia06/eac/file/PDFAV/installation.pdf

http://195.83.128.55/~dfort/licence/L%92art_contemporain_et_les_arts_num%E9riques.pdf

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Installation « Spiderman », 3ème

Temps 1: Avec vos objets dont vous disposez, réalisez une installation d’angle dans le collège. 15 minutes

Temps 2: Réalisez une photographie de votre installation en la rendant spectaculaire.

Temps 3: « Le chemin de Spiderman »,

installez avec du scotch, ou de la ficelle ou un fil, le chemin de Spiderman dans la salle de classe ou à l’extérieur. 20 minutes, travail collectif.

Rendre ce chemin visible.

Temps 4: « Batman a vaincu Spiderman. »

A vous de traduire avec des fils ce combat et la chute de Spiderman !

Apprentissages:

Construire et fabriquer des volumes en tirant parti des qualités physiques et formelles: plein, vide

Produire in situ

Compétences:

Réaliser une production qui implique le corps, positionnement dans l’espace

Prendre en compte le lieu et l’espace comme éléments constitutifs du travail plastique

Références artistiques:
Chiharu Shiota crée des installations spectaculaires avec des fils.

Annette Messager accorde une place importante au fil, au filet dans ses oeuvres.

Javier Pérez avec ses oeuvres inquiétantes, informes grâce aux matériaux utilisés.

Debby Smith crée de véritables dessins avec des fils et des aiguilles

Julien Salaud vient d’installer 45km de fils de cotons traités pour briller quand il sont éclairés par de la lumière ultraviolette et 65 000 clous pour les tenir en place et leur donner la forme de personnages et d’animaux dans une cave de 60m de long.

Claire Morgan suspend ses oeuvres toute en légèreté et finesse. L’art de l’accrochage …

Magnifique installation de 48kms de fils par Pae White,

Gabriel Dawe est né à Mexico où il a grandi entouré par l’intensité et la couleur de la culture mexicaine, qui sont la source d’inspiration pour les installations “Plexus“, mélange de fils de couleurs.

L’hiver approche en Métropole et c’est avec plaisir que nous allons aborder ce thème de la plage dans l’art pour les réchauffer.

Courbet s’est emparé du thème de la vague dans plusieurs tableaux. Le sujet de la vague devient un sujet à part entière et non plus un élément du décor comme dans les peintures de paysages ou dans les épisodes historiques, pensons au Radeau de la Méduse.

On sent bien dans ces tableaux le nouveau plaisir jouissif de représenter l’écume avec les mouvements de l’eau. Le sujet permet de transcender la peinture, de la rendre vivante et expressive.

Picasso peint un tableau, La baignade, en 1937. Les formes sculpturales s’ébattent devant la plage.

« La grande vague » du peintre japonais Hokusai

Hokusai (1760-1849) Japanese artist. ‘The Wave’
World History Archive

La vague se fait courbes et contrecourbes, l’artiste épouse les formes de la vague qui se met en page sur le support. Le jeu entre le plein et le vide est composé de manière épurée.

Niki de Saint Phalle offre au regard ses personnages très colorés et d’humeur joyeuse au bord de la mer.

Martial Raysse, dans Soudain l’Eté dernier,  représente une femme au bord de la mer. Nous le déduisons à sa tenue et aux objets réels disposés devant l’oeuvre.

Le vase volé de Jean-Pierre Gianni Colosimo, “Le vase volé de Jean-Pierre“, 2011. Deux bases carrées en céramique blanche, terre, jouets de plage 150 x 150 … L’artiste met en scène dans un Musée, un espace situé au bord de la mer en faisant allusion aux pots de fleurs et au carrelage typiques des productions de Jean-Pierre Raynaud.

Daniel Buren met en scène des transats avec ses rayures bien particulières.

Ron Mueck installe ses personnages hyper-réalistes faits en résine

Gérard Deschamps expose des bouées colorées et festives accumulées dans des bacs de verre. Dénoncerait-il la surpopulation dans les plages ?

Alexa Méade, 24 ans, ne peint pas de portraits à partir de modèles vivants, mais sur des modèles vivants. Bluffant. Son modèle, un jeune homme qu’elle a recouvert en partie de peinture, est assis sous un parasol, une partie du corps à l’ombre, l’autre à la lumière.

Voilà un petit tour d’horizon sur le thème de la plage dans l’art:

ici des articles plus complets sur d’autres thématiques dans l’art:

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La Plage, 3ème

Exploration: Feuille géante, peinture « Un personnage plus grand que la feuille »

Réinvestissement: « La plage des géants » Installez une plage géante dans le collège qui questionnera les notions d’échelle et de proportions.

Apprentissages:

Produire in situ

S »emparer du rapport d’échelle et jouer avec les proportions

Compétences:

Prendre en considération les données physiques d’un espace plan

Réaliser une production qui implique le corps.

Transformer la perception d’un espace

Les relations espace/spectateur

Références artistiques:

Courbet s’est emparé du thème de la vague dans plusieurs tableaux. Le sujet de la vague devient un sujet à part entière et non plus un élément du décor comme dans les peintures de paysages ou dans les épisodes historiques, pensons au Radeau de la Méduse.

On sent bien dans ces tableaux le nouveau plaisir jouissif de représenter l’écume avec les mouvements de l’eau. Le sujet permet de transcender la peinture, de la rendre vivante et expressive.

Picasso peint un tableau, La baignade, en 1937. Les formes sculpturales s’ébattent devant la plage.

« La grande vague » du peintre japonais Hokusai

Hokusai (1760-1849) Japanese artist. ‘The Wave’
World History Archive

La vague se fait courbes et contrecourbes, l’artiste épouse les formes de la vague qui se met en page sur le support. Le jeu entre le plein et le vide est composé de manière épurée.

Niki de Saint Phalle offre au regard ses personnages très colorés et d’humeur joyeuse au bord de la mer.

Martial Raysse, dans Soudain l’Eté dernier,  représente une femme au bord de la mer. Nous le déduisons à sa tenue et aux objets réels disposés devant l’oeuvre.

Le vase volé de Jean-Pierre Gianni Colosimo, “Le vase volé de Jean-Pierre“, 2011. Deux bases carrées en céramique blanche, terre, jouets de plage 150 x 150 … L’artiste met en scène dans un Musée, un espace situé au bord de la mer en faisant allusion aux pots de fleurs et au carrelage typiques des productions de Jean-Pierre Raynaud.

Daniel Buren met en scène des transats avec ses rayures bien particulières.

Ron Mueck installe ses personnages hyper-réalistes faits en résine

Gérard Deschamps expose des bouées colorées et festives accumulées dans des bacs de verre. Dénoncerait-il la surpopulation dans les plages ?

Alexa Méade, 24 ans, ne peint pas de portraits à partir de modèles vivants, mais sur des modèles vivants. Bluffant. Son modèle, un jeune homme qu’elle a recouvert en partie de peinture, est assis sous un parasol, une partie du corps à l’ombre, l’autre à la lumière.

Sur la question de l’échelle:

Claes Oldenburg

Louise Bourgeois

Ron Mueck

Le plein dans l’art contemporain

Le plein est une caractéristique de nombreuses oeuvres plastiques mais aussi numérique. Dans beaucoup d’entre elles, nait la critique de la société de consommation où les choses envahissent notre quotidien. Mais dans certaines religions, le plein montre l’harmonie céleste et divine. Il peut être violent, dénonciateur ou au contraire extrêmement poétique.

De nombreuses oeuvres traitent du plein et cet article n’est pas exhaustif. Il s’agit de montrer ici ses différentes facettes dans l’art d’aujourd’hui.

Avant de commencer l’analyse du plein dans l’art contemporain, nous allons rapidement voyager dans d’autres contrées pour voir la question de la profusion dans les oeuvres d’art mais aussi dans le temps pour voir d’où il a pris ses racines.

Le plein ici et ailleurs:

Le temple hindou Du Colosse à Saint André. Dans l’hindouisme, le temple (Mandir) est une représentation du cosmos. Dans son enceinte le monde des hommes confine à celui des divinités. L’ensemble est très coloré et poétique, le plein est exprimé dans une grande harmonie et un parfait équilibre.

Le Tāj Mahal (en devanagari : ताजमहल ; en persan : تاج محل) qui signifie « le palais de la couronne » en persan, est situé à Āgrā, au bord de la rivière Yamunâ, dans l’État de l’Uttar Pradesh, en Inde. Toutes les façades sont ouvragées.

Dans l’art aborigène, les points remplissent les oeuvres. L’art est un élément clé dans la culture aborigène. Il est toujours lié à un territoire (itinéraire, site, grotte, point d’eau…) Les Aborigènes célèbrent, chantent, dansent, miment et peignent (ce que nous appelons « art » mais qui pour eux est d’abord spiritualité) pour actualiser l’esprit ancestral créateur du lieu (au sens topographique) et présentifier, réactiver cette énergie créatrice.

Le plein dans l’art occidental:

Van Eyck, dans le Polyptyque de l’Agneau mystique représente une foule dense de personnages qui occupent une bonne place du panneau. Mais il sont statiques et figés. Michel-Ange donnera à la foule davantage de mouvement.

Jerôme Bosch, Naissance : 1450, Bois-le-Duc, Pays-Bas Décès : 9 août 1516, Pays-Bas des Habsbourg, a peint le  Jardin des Délices où règne un sentiment de profusion de détails dans tout le triptyque.

Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni, dit en français Michel-Ange, est un sculpteur, peintre, architecte, poète et urbaniste florentin de la Haute Renaissance.  Naissance : 6 mars 1475, Caprese Michelangelo, Italie Décès : 18 février 1564, Rome, Italie. L’artiste nous laisse une Porte de l’Enfer où les corps envahissent l’espace sans laisser de perception de vide. Le thème de l’Enfer est propice à la notion de plein pour montrer le nombre des damnés et ainsi faire peur au public. Un Enfer vide n’aurait pas de sens ni de portée, d’impact sur le regardeur.

Le plein dans l’art contemporain:

Le plein dans l’art numérique:

Reynald Drouhin

Natalia Rojas, the faces of facebook

Jean François Rauzier, dans Hexadécimal revisite les peintures célèbres en donnant une sensation de plein.

La semaine prochaine: un article sur le vide dans l’art ! A suivre donc.

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Le carré dans l’art

Le carré est une forme géométrique importante dans l’art car il permet de nombreuses manipulations plastiques. Figure symbolique par excellence, il illustre l’imperfection du monde terrestre, la matérialité. Le carré, bien que souvent porté par les femmes soit dans leurs cheveux soit autour du cou, désigne également le caractère franc, décidé, direct de certaines personnes. Le carré incarnerait-il la notion d’ordre ? Ou alors désignerait-il des oeuvres trapues ?

Le format en cercle dans l’histoire de la peinture, contrairement au carré, a connu un statut privilégié avec le Tondo utilisé par les peintres. Un terme le qualifie. Le tondo (tondi au pluriel) est un profil, généralement sculpté en faible relief, mais qui peut aussi être peint, réalisé sur un support de format rond ou à l’intérieur d’un disque, et non en rectangle comme il est plus courant. Le terme provient de l’italien, c’est une aphérèse du mot rotondo (rond).

Madone du Magnificat de Botticelli.

Avec l’art cinétique et l’Op Art, le carré connaît ses heures de noblesse. Mais commençons par son côté magique qui n’arrête pas de fasciner le monde.

Le carré magique

Le carré magique a une histoire. Ce carré, selon une légende chinoise, aurait été révélé, à l’empereur Yü sur le dos d’une tortue au XXIII^e siècle avant J.-C.( – 2200).

Dürer le représente dans sa gravure Mélancolia  en haut à droite.

Le carré dans l’art

Voici l’une des innombrables pièces du metropolitan museum of art, une mosaïque en provenance d’Antioche (en Turquie aujourd’hui) créée par des Romains au faîte de leur art. Le personnage (Bacchus) au centre est superbe, mais regardez bien la géométrie du fond qui laisse apparaître une composition savante de carrés et de losanges.

Au début du Moyen-Age (art roman et icônes byzantins), les figures géométriques sont très basiques. Le cercle de l’auréole est inscrit dans un « presque » carré: n’est-ce pas la condition de l’esprit contenu dans le corps que cette icône met en scène ?

La porte d’harmonie

La dénomination a été popularisée par Paul Sérusier, en 1921, mais on la trouve dans des traités plus anciens d’architecture.  La diagonale de Fibonacci, reportée sur la base du carré, permet d’obtenir un rectangle de côté a et de longueur b. Le côté vertical du carré absorbé par le format est qualifié de ligne de force.

La peinture de Piero della Francesca en est un exemple.

Le nombre d’or

En traçant un carré puis en rabattant le rayon obtenu du milieu d’un côté d’un coin sur le même côté, on obtient un rectangle dont les proportions sont telles que le petit rectangle augmentant le carré initial comporte aussi, entre ses côtés, la même proportion dite nombre d’Or.

En plaçant un homme à l’intérieur des deux figures géométriques les plus parfaites, le carré et le cercle,Leonard de Vinci montre que les proportions du corps humain répondent à une harmonie idéale.

Gozzoli, St Augustin enseignant ; là encore l’architecture est le cadre nécessaire pour ordonner la diffusion du savoir. Le carré est à la base de la composition de l’oeuvre de Gozzoli jusque dans le pavage du sol.

Dans l’Ecole d’Athènes, Raphaël utilise aussi le carré comme structure de sa composition d’ensemble avec le cercle.  L’analyse de la structure géométrique le montre : les figures fondamentales de la géométrie, le carré, le cercle, le triangle se marient, s’entre-répondent comme aussi les points organisateurs de la construction : le centre perspectif, le centre géométrique, le point de fuite.

Hans Holbein choisit le format carré pour ses Ambassadeurs 207 × 209 × 10 cm. Cette forme donnée à la peinture confère davantage d’autorité aux deux ambassadeurs.

Plus tard, Vermeer dans Le Concert se rapproche du carré 69 cm x 63 cm, mais cette toute petite différence est énorme. Ce tableau est comme une sorte d’hymne au carré presque parfait avec les tableaux représentés dans la toile dont le format se rapproche de cette figure géométrique.

Velasquez, dans les Ménines se rapproche du carré 3,2 m x 2,76 m, près de 40 cm de différence. C’est justement dans cet à peu près que réside tout l’équilibre du tableau.

Las Meninas (les menines : dames d’honneur). Tableau representant la famille de Philippe IV (1605-1665), a gauche autoportrait de l’artiste devant son chevalet. Peinture de de Diego Rodriguez de Silva y Velazquez dit Diego Velasquez (1599-1660) 1656 Huile sur toile, 318 x 276 cm Museo del Prado, Madrid ©AISA/Leemage

Gustav Klimt se distingue dans le Baiser par son format carré. Les deux personnages sont plus imposants dans un tel format et leur équilibre au bord de la falaise paraît stable et en dehors du temps. 1m80 X 1m80.

Mondrian pense une théorie de l’esthétique : des règles strictes, un usage exclusif des couleurs primaires (bleu, jaune, rouge, blanc noir) qui voient être appliquées en à-plat, sans mélange ni dégradé ; un usage unique de lignes droites et/ou octogonales, des formes simples qui se limitent à des rectangles et des carrés.

Malévitch peint le carré blanc sur fond blanc, une oeuvre suprématiste. Cette œuvre est souvent considérée comme le premier monochrome de la peinture contemporaine et il reste l’un des plus célèbres.Malevitch a utilisé deux blancs d’origines différentes : « l’un froid et très légèrement bleuté, pour le carré, l’autre chaud et un peu ocre, pour le fond »

Carré noir sur fond blanc: Le tableau est exposé en hauteur, dans un angle de la pièce qui comprend les œuvres de Malevitch. Cette place est ce que l’on appelle le « beau coin », l’endroit où sont exposées les icônes dans les maisons paysannes russes. L’accrochage est ambigu : tout en revendiquant un rôle spirituel pour cette œuvre, il agit aussi comme une provocation futuriste à l’égard du bon goût, des normes sociétales et des conventions artistiques.

Vasarely s’empare souvent du format carré qui met en évidence ses compositions optiques.

François Morellet, Répartition aléatoire de 40 000 carrés, …

Franck Stella reprend le carré dans de nombreuses compositions.

Felice Varini, l’anamorphose du carré

Martial Raysse (né en 1936) : carré lumineux

Aurélie Nemours travaille autour du carré qu’elle déconstruit et recompose sur le thème du silence, de l’origine, du commencement.

Alighiero Boetti, Pour Sol, Carol, Sofia, Eva LeWitt, aujourd’hui le neuvième jour du neuvième mois de l’année mille neuf cent quatre-vingt huit, 1988
Broderie sur tissu, 144.8 x 139.7 cm

Sol Lewitt, autres propositions sur le carré. Bien que le dessin occupe une place très importante dans son travail comme pour ces Wall drawings, il est habituellement considéré comme un sculpteur. Sol LeWitt est célèbre pour ses Structures (terme qu’il utilise pour décrire ses sculptures) fondées sur un élément géométrique basique, comme le cube ou le carré, établi en réseau.

Jesus Rafel Soto a une attraction pour le carré. Ceux-ci, dans cette forme d’art appelée cinétique, s’animent sur les fonds rayés quand on passe devant.

Youri Messen-Jaschin est un artiste d’origine lettone, né en 1941 à Arosa (Suisse) est fasciné par l’art cinétique.

Horacio Garcia Rossi,

Julio Le Parc,

Bridget Riley, née le 24 avril 1931 à Londres en Angleterre, dans le quartier de Norwood, est une artiste peintre britannique d’origine anglaise. Son œuvre, basée sur des formes géométriques et des effets d’optique, s’inscrit dans le mouvement Op Art.

Daniel Buren offre des compositions où le carré éclate tout en laissant son empreinte dans le visible.

Fabrice Hyber, POF 65 Ballon Carré, 1998 Fabrice Hyber modifie ainsi la conscience et la pratique que nous avons de ces objets puisque leurs formes réinventées induisent de nouveaux comportements. En déplaçant leur fonction originelle, les POF génèrent un mode d’appropriation singulier et nécessitent souvent l’invention d’un mode d’emploi pour un usage en constante évolution, questionnant ainsi la relation que l’on entretient avec les objets du quotidien et plus généralement l’œuvre d’art.

Wolfgang Laib. Un immense carré de pollen de noisetier. Depuis plus de 30 ans, l’artiste allemand né en 1950 à Metzingen, offre une œuvre inclassable entre le Land Art et l’Art minimal. La rétrospective de son œuvre a parcouru le monde de 2000 à 2002 et il obtint de nombreux prix. Les matériaux du Moyen-Orient prennent place dans son travail (lait, pollen, cire d’abeille…) sous des formes hautement symboliques comme le rectangle, le carré, le triangle.

Louis Blanc, dans la photographie, utilise le carré pour mettre en scène le corps de manière magistrale.

Le carré dans les mandalas:

Les mandalas sont généralement composés dans des cercles et ceux-ci contenus dans des carrés. Le mandala est un support de méditation en trois dimensions. Il est le plus souvent représenté en deux dimensions mais on trouve également des mandalas réalisés en trois dimensions. Ce sont des œuvres d’art d’une grande complexité. Le méditant se projette dans le mandala avec lequel il se fond.

Le carré dans le cercle

Dans certains mandalas, le carré est contenu dans le cercle, insérant le monde créé, connu, dans l’immensité du monde infini et inconnu.

Le cercle dans le carré

Le cercle est parfois enserré dans le carré. C’est mettre le monde non manifesté, inconnu, dans un cadre défini…

Rond ou carré, il est important que le mandala ait son centre et son organisation autour de ce point central.

L’origami est cet art de plier une feuille carrée pour faire surgir des formes complexes.

Le carré dans l’art de la mode

Le carré Hermès est un foulard de 90cmX90cm qui s’est vendu partout dans le monde. Symbole de l’élégance et de la haute bourgeoisie, il est très codifié et répond à des critères très précis. « Dans la haute bourgeoisie, le carré Hermès permet de se reconnaître entre soi, explique la sociologue Monique Pinçon-Charlot. A travers lui on transmet aux filles les valeurs dynastiques de la famille, économiques et culturelles, qui répondent à celles de la maison Hermès, dynastie entrepreneuriale et familiale s’il en est. Même les stars de l’art contemporain ont été mises à contribution, comme Josef Albers, Daniel Buren et Hiroshi Sugimoto. Cette année, c’est le pape de l’art cinétique et optique, Julio Le Parc, qui a répondu à l’invitation.

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Davantage de thématiques ici:

http://perezartsplastiques.com/les-notions-dans-les-arts-plastiques/

Cette séance a été proposée aux étudiants de l’ESPE de la Réunion. Ce sont leurs travaux qui seront présentés dans cet article, n’ayant pas encore testé cette séquence avec les 6èmes. Une autre façon de voir la séance: un objet de culte

Cette séquence m’a été inspirée par les travaux du groupe ressource de La Réunion mais aussi par la séquence de Mme Lavy de l’Académie de Lyon.

Apprentissages:

Tirer parti des matériaux pour engager une démarche créative

Explorer différentes modalités de présentation

Compétences:

Représenter par le dessin, par la peinture des objets observés

Reconnaître différents statuts de l’objet

Identifier les modalités de présentation de l’objet

Objectif:

la présentation d’un objet

travailler collectivement en interaction

comment et par quelle transformation peut-on faire dire autre chose aux objets

travailler l’objet réel et son image, sa présentation, se détournements

« Une vitrine de luxe ! »

Séance 1

mettre sur la table 3/4 objets

en choisir 2 « représenter les objets » 5 minutes

• un  qui se démarque de tous les autres » 5 minutes

Faire une photo qui mettra encore plus en valeur l’objet remarquable

Comment ? Taille, couleur, volume, présentation, forme, matière, matériaux, support, geste, trace, contours, etc

———————————

Séance 2

rajouter un objet à la composition qui se démarquera de manière spectaculaire. Chaque groupe choisit une autre production que la sienne.

faire circuler le travail

Réinvestissement 1:

Faire un petit film qui montrera petit à petit la composition et seulement à la fin l’ensemble comme une histoire sans parole.

réinvestissement 2:

« Mon objet banal est dans une vitrine de magasin de luxe » Faites la vitrine.

en groupe de 3/4

Prendre une photo qui mettra en valeur la vitrine

Références artistiques:

Jacques Julien: 

La vitrine de Louis Vuitton par Yayoi Kusama

Louis Vuitton

Un artiste qui met en scène des hamburgers dans sa manière de présenter des objets du quotidien: http://www.williamhundley.com/ William Hundley  photographie des objets posés sur des cheeseburgers.  Merci à l’internaute qui nous a signalé son nom !

Marcel Duchamp, Stoppages étalons

Brancusi, Coq

Christian Boltanski, Le manteau, 1986

Louise Bourgeois, « Cumul I », 1969, marbre blanc sur un socle en bois

Damian Hirst, Vanité

Jeff Koons, Michael Jackson

SYLVAIN LORET, GOUTTES D’OR, 2012

Balthazar Paul OMMEGANCK 1755 /1826 – Moutons au repos

La scénographie ou l’art de mettre en valeur les oeuvres d’art

Photographie d’objets:

Un petit brun à craquer, 6ème

Apprentissages:

Tirer parti des matériaux pour entamer une démarche créative

Explorer différents modes de représentation

Compétences:

Exploiter les dimensions expressives des outils, des matériaux et des supports

Construire des objets en deux ou trois dimensions à des fins d’expression

Temps 1 distribuer une photocopie de petit brun comme sur le modèle en noir et blanc. « Il est bon mon petit brun »

Temps 2: « Il est encore meilleur »

Temps 3: « Le plus appétissant des petits bruns ! »

Moyens plastiques trouvés: couleur, texture, présentation, représentation, composition, exposition, relief, volume, matière, matériaux, etc

Références artistiques:

Claes Oldenburg, Floor Burger, 1962

Gilles Barbier, Le festin, 2013

Roberto Bernardi.

Erro,

Le Caravage, Nature morte

Travaux des élèves:

Paris est la capitale de la France. Ville de culture et de connaissances, elle abrite de nombreux Musées et des Universités célèbres comme la Sorbonne. Elle incarne à elle seule les valeurs de la France, la culture, les idées, la liberté, l’égalité, la fraternité.

« Respirer Paris, cela conserve l’âme »
Victor Hugo

« Ne pouvoir se passer de Paris, marque de bêtise ; ne plus l’aimer signe de décadence »
Gustave Flaubert

Les plus beaux monuments de Paris

Paris dans la peinture:

Rue de l’Echelle, C’est de l’affrontement entre révolutionnaires et troupes royales, sur une barricade dressée à l’angle de cette rue le 27 juillet 1830, que s’inspirera Eugène Delacroix pour peindre son célèbre tableau « La Liberté guidant le peuple ».

Caillebotte, Paris temps de pluie, 1880

Rue Halevy, Seen from the Sixth Floor – Gustave Caillebotte

Les peintres impressionnistes quittent leurs ateliers pour rendre compte de la vie à la campagne mais aussi urbaine. Paris devient un sujet de peinture.

Boulevards des Italiens, Paris, matin, effet de soleil,
huile sur toile (73,2 x 92,1 cm) de Camille Pissarro, 1897.

Pissarro Boulevard Monmartre 1897;

Bal du Moulin de la Galette est une peinture de 1876 réalisée par l’artiste français Pierre-Auguste Renoir.

La peinture dépeint un dimanche après-midi typique au Moulin de la Galette, dans le quartier de Montmartre, à Paris.

Georges Seurat

Félix Vallotton, Street Scene in Paris (Coin de rue à Paris)

UTRILLO Maurice,Sacré Coeur de Montmartre

Robert Delaunay, Tour Eiffel

Gauguin, Paris sous la neige

Vue de Notre Dame de Paris, Picasso

Matisse, Paris

Juan Gris – Houses in Paris

Le canal St-Martin par Georges Braque

Chagall, Paris par la fenêtre

Salvador Dali

Fernand Léger, toits de Paris

Bernard Buffet, Paris Notre Dame

Dubuffet, L’hôtel du Cantal – Série Paris Circus, 1961 :

Les pavés de Paris

Paris dans le cinéma,

Sous les toits de Paris, René Clair, 1930

Paris dans la photographie

Robert Doisneau, Prise en 1950 à proximité de l’hôtel de ville de Paris, …

Prendre l’air, côtoyer les plafonds et le ciel, on en a bien besoin en ce moment.

Dans cet article nous allons voir le statut du ballon dans l’art contemporain avec un entretien inédit entre autres avec David Gouny.

David Gouny est un artiste qui interroge.

On est emballé par sa touche de fabrique gonflée et molle. Sa production est riche et originale, parfois drôle, parfois elle fait grincer des dents. Il s’attaque à critiquer notre société de consommation mais aussi revisite les oeuvres qui ont marqué l’art contemporain.

Nous l’avons contacté et il nous a répondu:

Comment avez-vous eu l’idée de travailler l’apparence « gonflée » ? Le gonflable ?

L’esthétique des Objets contaminés par un fat virus viennent de mon précédent travail sur la peinture qui était un mix entre Francis Bacon et le cycle de l’Hourloupe de Dubuffet.

Réalisez-vous vous même vos productions ?

Oui

Avez-vous une obsession du « gras » comme j’ai pu lire dans un site ? Pourquoi si c’est le cas ?

Je suis attiré physiquement par les femmes grosses d’où ma propension à mettre des bourrelets partout

Comment procédez-vous pour travailler, des croquis, des esquisses ?

Un rapide dessin suffit généralement

Quelle importance a pour vous l’ancrage de vos œuvres dans l’art ?

Aujourd’hui, cela n’a plus d’importance. Si on se pose la question de savoir si on fait ou non de l’art, on se limite forcément, surtout à une époque où le divertissement a pris l’ascendant

A quel public adressez-vous ?

Je m’exprime sur ce que je suis, tant mieux si ça plaît, mais je ne pense pas à un public en particulier

Quel est votre parcours artistique ? Autodidacte ?

Autodidacte et diplômé de la liposuction school of fat. Comme disait Prévert, je n’ai pas de permis de chasse, je suis un braconnier

Vos œuvres ont-elles une dimension politique ?

Ces Œuvres se veulent contaminées par un fat virus. Fat virus, le gras et les virus sont sûrement les deux plus grandes peurs de nos sociétés contemporaines. Ce sont des peurs irraisonnées, alors que la médecine et l’hygiène n’ont jamais été aussi évoluées, cela parle aussi de discrimination dont sont victimes ceux qui ne correspondent pas aux canons de la beauté actuelle.

Accordez-vous une importance à la séduction, à la provocation dans votre travail ?

Forcément, il y a de la séduction, vous exprimez ce qui vous tient à cœur, mais vous l’emballez dans un joli papier cadeau. Après si cela provoque quelqu’un, Il a peut être des questions à se poser !

Que voulez-vous dire aux jeunes collégiens ? Quel est votre message ?

Fat people are not ugly (Les grosses personnes ne sont pas laides)

Le ballon dans l’art contemporain

Piero Manzoni met en scène un ballon de baudruche dans Fiato d’artista

Par le danseur et chorégraphe américain William Forsythe, « Scattered Crowd » est superbe installation interactive et poétique, réalisée à l’aide de milliers de ballons blancs en suspension dans l’espace. Le spectateur étant libre de déplacer les ballons, la pièce est en constante évolution par le silence ou la vitesse modifiant la notion d’interaction dans l’espace.

Yayoi Kusama crée des environnement où le ballon incarne des formes douces mais obsédantes

Jeff Koons est célèbres pour ses sculptures imitant l’aspect des ballons qu’on trouve dans les fêtes foraines.

Martin Creed propose une expérience sensorielle consistant à pénétrer physiquement dans une pièce remplie de haut en bas de ballons, au milieu desquels il faut se déplacer.  En pénétrant dans la pièce, le visiteur n’est pas sûr de pouvoir sortir. Les ballons parfois éclatent et sont remplacés par un appariteur.

Fabrice Hyber, Ballon carré

Susie Macmurray

Myeongbeom Kim interroge le devenir de notre monde avec des ballons.

Masayoshi Matsumoto sculpte des ballons sans fixation

Aleksandra Mir qui tente de faire atterrir un avion/ballon gonflé à l’hélium, Plane landing (2008), qui ne demande qu’à décoller !

Joelson Bugila travaille avec des ballons, artiste brésilien

Enfin pour finir, un message de paix avec ces petites filles de Banksy

Le ballon dans la peinture:

Félix Vallotton, 1865-1925 a peint ce tableau célèbre avec ce ballon rouge qui contraste avec le vert des arbres

Paul Klee, 1922, le ballon rouge

Cette thématique vous a plu:

davantage ici

http://perezartsplastiques.com/les-notions-dans-les-arts-plastiques/

Mes chaussures font du cinéma, 3 ème

Un cours sur la technique du stopmotion que j’ai fait il y a quelques temps déjà et que je vais reprendre.

Apprentissages:

Expérimenter des techniques variées

Compétences:

Organiser des objets à des fins de narration, d’expression

« Chorégraphie impossible ! »

Travaux des élèves: laissez charger les gifs animés ça vaut le détour.

Une bouteille à la mer pour un message de paix à diffuser dans le monde.

Plus d’information sur cet article dans les jours à venir.

« Une bouteille à la mer pour diffuser dans le monde un message de paix, de tolérance, de liberté et de fraternité » Cliquez sur les images pour les voir en grand format.

Marie Claude Quignon; 1001 bocaux

Marie Claude quignon donne la parole à des femmes de la Méditerranée, des femmes qui n’ont pas souvent accès à la libre expression dans leur foyer ou en société. Avec La Forge, association culturelle. « Comment intervenir sur la réalité, le présent, la société, avec des productions artistiques  ?” voilà une mission de cette association.” Elle est allée les rencontrer dans leurs quartiers pour leur permettre une réelle rencontre avec l’art mais aussi pour leur donner la parole.

Marie Claude Quignon a donné un bocal transparent « le parfait » à chacune de ces femmes en leur demandant d’y introduire des objets du quotidien. Elles devaient s’adresser à leurs enfants en leur montrant de quoi ils devaient se méfier ou au contraire des conseils pour trouver une manière de bien vivre.

« Un bocal pour y disposer (hors toute considération esthétique) un objet symbolique pour dire ce qu’elles veulent transmettre (à leurs enfants).

Un bocal positif pour dire ce sur quoi leurs descendants peuvent s’appuyer pour bien vivre.
Un bocal négatif pour dire de quoi ils doivent se méfier. “

Ordures au naturel, bocaux, Arman 1971, Beaubourg

Marcel Broodthaers, Bocal de confiserie,

• Bocal, ouate et photographie de magazine.
• Dimensions : 25,5 x 17,2
• Origine : Legs de Mme Alla Goldschmidt-Safieva, Bruxelles, 1990
• © SABAM, Belgium

Time machine, bocaux, frigo, puzzles, collectif d’artistes anonymes ici

Dimitris Polychroniadis

Time machine est une machine à arrêter le temps.(…)Ici on a choisi de mettre en bocaux les pièces qui permettaient de reconstruire notre monde : l’univers et la société. Il est probablement plus rassurant, plus confortable, de ne pas faire le puzzle, de ne pas risquer de s’apercevoir qu’il est peut-être incomplet ; de prolonger ainsi le plaisir et l’illusion de croire que l’on dispose de tous les éléments pour le construire.

 Catherine Cottereau, Pansées

Papier carbone(guide ligne, utilisé dans le cadre du tatouage), aiguille de tatouage, encre, bouteille

Brandon Ballangée

Les bocaux de formol se trouvent détournés comme une pyramide des écosystèmes en voie de disparition et le nombre de bocaux vides qui démontre la disparition d’une espèce rend plus instable le fragile équilibre de cette pyramide de verre.

Des émeutes en bocaux: source

 YVES METTLER, Mobilized Plots of Earth, bocal en verre, terre, eau, bitume, édition illimitée, dimensions variables, 2014

Artistes engagés contre le terrorisme:

Sudarsan Pattnaik

Un street artiste réagit aux évènements

:

Réaliser une fleur en hommage aux victimes des attentats de Paris du 13 novembre. Les installer avec du fil de fer matérialisant les frontières entre les hommes.

Prendre une photo panoramique de l’installation en essayant de le faire le plus long possible.

Pour une paix panoramique, travail avec les techniques traditionnelles et la prise de vue panoramique.

Diaporamas:

Photographies de l’installation des productions des élèves:

Réaliser sur une feuille de papier de format « raisin », un petit lu le plus appétissant possible.

Notions abordées: matière, texture, relief, assemblage, volume, couleur, brillance, forme, mise en scène, etc

Cette séquence peut être travaillée à tous les niveaux.

Transversalité: la santé, l’hygiène alimentaire, en français, histoire, mathématique (comment construire la forme du petit lu), musique

Productions des étudiants :

Retouchez les images pour rendre le petit lu encore plus appétissant avec le numérique:

Références artistiques:

Claes Oldenburg, Floor Burger, 1962

Gilles Barbier, Le festin, 2013

Erro,

Le Caravage, Nature morte

Télécharger le programme complet:

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« Je suis un kiosque à journaux ! »

« Un kiosque est un pavillon de jardin ouvert, le plus souvent de tous les côtés. La forme peut être rectangulaire, ronde ou octogonale. Un dôme ou un toit à pans protège du Soleil aveuglant ou des intempéries. La graphie françaisechiosque est attestée en 1654. Le terme est emprunté entre 1594 et 1608 (selon les études de R. Arveiler et Cayet) à l’italien des jardiniers de l’époque maniériste : chiosco, chioschi au pluriel. Le mot vient du turc médiéval kieuchkou kiösk, écrit kiosk en turc moderne. Il dérive de manière plus lointaine du persan کوشک / kušk qui signifie « palais », « salle haute », « galerie » ou « salon ».

En dehors du sens premier préservé par l’espace public, surgit vers 1848 un emploi économique de petite maison de vente. La mutation est européenne puisque le mot allemand der Kiosk s’étend aussi au champ économique. Il s’agit d’une petite boutique installée sur le trottoir ou accessible de celui-ci. Le kiosque de journaux ou le kiosque à journaux est un édicule établi sur les voies fréquentées, dans les lieux publics divers, comme les gares. Le kiosquier, kiosquaire ou kiosquiste y vend des journaux, des revues, des livres. Mais il existe aussi des kiosques de distributions d’objets divers : kiosque à fleurs, à tabac ou à cigarettes. » Wikipédia

Photographies de kiosque à journaux:

Voici un cours en explorations et réinvestissements

Exploration 1: « Lire le journal pas comme d’habitude « , prendre une photo.

Exploration 2: « Mettre en scène sur votre corps plusieurs pages de journal », prendre une photo.

Réinvestissement 1: « Mon corps est un kiosque à journaux, l’installer  dans le collège » Croquis du projet.

Réinvestissement 2 :« Réaliser un film qui fera la promotion artistique de votre corps-kiosque à journaux ! »

Apprentissages:

Construire et fabriquer des volumes en tirant parti des qualités physiques et formelles

Utiliser les fonctions élémentaires des nouvelles technologies

Produire in situ

Modifier les points de vue fixes et mobiles

Modalités d’exposition

Compétences:

Réaliser une production plastique qui implique le corps

Produire du sens en disposant des objets

Prendre en compte le lieu et l’espace comme éléments constitutifs du travail plastique

Mettre en oeuvre des matériels et logiciels à des fins de création

Concevoir un projet, l’évaluer

Mise en commun :

Quelle est la fonction du journal dans votre production ?

Quelles sont les actions effectuées pour réaliser le kiosque ?

Votre volume est-il une sculpture ou une structure ?

Références artistiques :

Le cubisme utilise les journaux dans les peintures.

Georges Braque introduit un journal dans cette oeuvre cubiste:

Picasso dans La nature morte à la chaise cannée  de même,

Ben Vautier construit une maison, une sorte de kiosque à oeuvres d’art: 1958

Wang Du, sculpture d’un journal Le Monde

Tadashi Kawamata ( né en 1953 à Hokkaïdo )

Pratique la sculpture, l’architecture d’avant-garde et les installations depuis 1977.
Vit et travaille à Tokyo et à Paris Projet  » daily news  »
installation de tonnes de journaux invendus

« Un mois de lecture des bâlois » compression de César,
revisité par Jean Nouvel à la Fondation Cartier 

César aimait jouer avec la matière, la transformer, la plier à sa fantaisie. Il disait: « Je suis le contraire d’un intellectuel. Je suis un tripoteur: je fais de la sculpture comme j’aidais, autrefois, ma mère à écosser les petits pois. »

L’artiste pakistanais Imran Qureshi installe une oeuvre participative visuelle et sonore: And They Still Seek The Traces of Blood . Le titre a été inspiré par un poète pakistanais Faiz Ahmed Faiz. Le visiteur doit froisser des papiers recouverts de peinture rouge et au fil de la journée un tas s’est formé comme une sorte d’amas de chairs. Pourtant ce sont des papiers décorés avec des motifs floraux. Une oeuvre qui repousse et attire, un vrai questionnement pour le regard.

Jean Paul Gaultier utilise des journaux pour créer des vêtements insolites:

Modalités d’évaluation pratique:

Capacité à faire des recherches variées

Cohérence du kiosque

Solidité de la construction

Engagement plastique

Modalités d’évaluation numérique:

Capacité à rendre le projet avec une prise de vue

Richesse du point de vue et du cadrage

Cohérence de la production filmique

Engagement dans l’élaboration du film

Bientôt les productions des élèves. A suivre …

Goodies:

Le plus spectaculaire des paquets cadeau de Noël, 6ème

Exploration: représenter le plus spectaculaire des paquets cadeau de Noël, technique libre, travail en plan

Réinvestissement: « Mon paquet a du volume ! », travail dans les trois dimensions. (pas de parallélépipède ni de cube)

Réinvestissement 2: installez les paquets dans le collège pour attirer le regard des élèves. Prendre une photo qui montrera à la fois l’ensemble et votre paquet personnel.

Apprentissages:

Tirer parti des matériaux pour entamer une démarche créative

Explorer différents modes de représentation et de présentation

Compétences:

Représenter par le dessin des objets imaginés

Reconnaître les différents statuts de l’objet

Mise en commun :

Comment avez-vous fait pour rendre votre paquet spectaculaire ?

Quels sont les moyens plastiques que vous avez utilisés ?

Quel effet donne votre paquet ?

Quelle est la forme de votre paquet ?

Références artistiques:

Les reliquaires sont souvent ornés et spectaculaires:

Reliquaire Pépin

Reliquaires à papiers roulés des XVII et XVIIIe siècles. Collection du Dr Pinette et de son association ” Trésors de ferveur ”.

Marcel Duchamp réalise un paquet constitué de deux plaques métalliques d’une bobine de ficelle avec un objet caché à l’intérieur, à bruit secret

Piero Manzoni,

Annette Messager,

Damian Hirst, Vanité, un crâne recouvert de diamants

Murakami, avec ses smileys colorés et brillants

Jan Fabre, une sphère recouverte de scarabées, qui avec leur carapace donnent un effet lustré à l’oeuvre. Mais, bouh ! Quelle horreur vue de près !

Esther Ferrer,

La Vochol est une Volkswagen Coccinelle décorée selon l’art huichol. Son nom provient d’une combinaison de «vocho» qui est la dénomination populaire de la Coccinelle au Mexique et de Huicol.

20320152. Washington, EUA.- La exhibición “Vochol: Arte Huichol sobre Ruedas”, fue inaugurada esta noche por el embajador de México en Estados Unidos, Arturo Sarukhan, en la sede del Museo Smithsonian del Indio Americano en esta capital.
NOTIMEX/FOTO/ESPECIAL ALEJANDRO PIEDRA BUENA/COR/ACE/

siège du Groupe COUPECHOUX et bâtiment emblématique de l’île de Nantes, s’emballe pour Noël et se transforme en paquet cadeau spectaculaire.

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Le lustre de la perle noire, 5ème

Une perle est une concrétion calcaire, généralement de couleur blanche, fabriquées par certains mollusques bivalves (principalement les huîtres perlières).

La brillance: Appelée lustre, c’est le reflet brillant à la surface de la perle. Il est dû à la diffraction successive de la lumière à travers les différentes couches de nacre.

Les perles ayant des couches de nacre épaisses ont généralement un plus beau lustre que celles ayant des couches plus fines. L’épaisseur des couches successives de nacre n’est cependant pas le seul facteur donnant un beau lustre ; la translucidité et l’arrangement des plaques de nacre ont même une plus grande influence. (wikipedia)

Apprentissages: 

Utiliser divers modes de productions des images: choix d’outils

Compétences:

Utiliser des procédures de techniques mixtes

Exploration: Le plus original des noirs.

Réinvestissement: Le lustre de la perle noire

Mise en commun:

Les noirs sont-ils tous identiques ?

Quelles sont les différences ?

Les noirs: 

Le noir est un champ chromatique regroupant les teintes les plus obscures. Les objets noirs n’émettent ou ne reflètent qu’une part négligeable du spectre de la lumière visible. Le noir s’oppose ainsi à toutes les couleurs ; mais surtout au blanc, la plus claire de toutes les couleurs.

Noirs naturels:

Noir de campêche (NBk3) : un colorant végétal ou pigment laqué, extrait du bois de cœur de campêche.

Bitume ou gilsonite (NBk6) : un noir brun et chaud tiré d’un hydrocarbure. La migration du bitume dans l’huile liant de la peinture à l’huile pose des problèmes.

Ardoise PBk18. Les pigments d’ardoise broyée sont surtout utilisés en sous-couche de peinture anticorrosion et en extérieurs (PRV₁, p. 99).

Noirs de synthèse :

Noir de fumée (carbone) (PBk6) : le noir le plus noir, opaque et froid, extrait de la suie produite par la combustion incomplète de composés organiques.

Noir de carbone ou Noir de lampe ou Noir d’acétylène (PBk7) : un noir dense, légèrement bleuté, obtenu en collectant la suie issue d’un bec de gaz, d’une lampe à huile, d’une bougie, qui s’est déposée sur une surface froide.

Noir de charbon (PBk8) : obtenu par carbonisation de bois ou noyaux. Comprend : Noir de vigne, Noir de pêche, Noir de fusain, Noir de sarment, Noir de liège, Noir de hêtre. Il produit des noirs légèrement bleutés, moins denses que les noirs de fumée.

Graphite (PBk10) : un carbone cristallin pur de teinte gris foncé, utilisé dans les mines de crayon (PRV₁, p. 356).

Oxyde de fer noir ou Noir de Mars (PBk11) : équivalent synthétique de la magnétite, il produit des noirs fins, neutres et denses, plus intenses que les noirs de charbon.

Noir spinelle (PBk28) : mélange d’oxydes métalliques (cuivre, chrome, manganèse)

Pigment synthétique d’origine animale

Noir d’ivoire ou noir d’os (PBk9) : obtenu par calcination d’os durs (ivoire, bois de cerf, de rhinocéros). Aussi connu sous les noms de : Noir de velours, Elephantinum, Noir animal. Un noir brunâtre, plus chaud que les noirs de carbone et très docile en mélanges car peu colorant. (wikipedia)

Références artistiques : 

Soulages qui peint des oeuvres en noir mais dont la lumière révèle toute une série de gris.

Nicolas Cessieux fait émerger du gris une texture singulière car cette teinte se prête volontiers à cette expérience de la matière.

Nicolas Baier dans ce polyptyque montre la matérialité du gris, on y voit de riches nuances et textures qui rendent sont oeuvre plastiquement variée. Nicolas Baier, Vanitas 01, 2007-08. Vanité que de vouloir peindre en couleur semble nous dire l’artiste sombrant dans les nuances de gris.

Le drapeau des arts plastiques, 4ème

https://prezi.com/e6rqvukqejxr/les-drapeaux/#

Entrée des programmes:

Les images et leur relation au réel

Apprentissages:

Appréhender les relations entre l’image et son référent

Produire des images numériques

Compétences:

Différencier les images matérielles et immatérielles

Un drapeau est une pièce d’étoffe attachée à une hampe, qui représente la « personne morale » d’un groupe ou d’une communauté : un pays (une nation), une ville, une compagnie commerciale ou d’armement, un régiment… Il a très fréquemment la forme d’un rectangle aux proportions 2:3, mais il existe des variations, aussi bien sur la forme que sur les proportions.

C’est une image qui fonctionne comme un signal: c’est une image signalétique. Elle est claire et efficace quant au message. Elle doit être comprise instantanément comme un feu rouge qui ordonne de s’arrêter sur la route.

La signalétique est la science de la signalisation. Elle est fondée sur une sémantique iconique et/ou langagière, c’est-à-dire utilisant des signes (chiffres, pictogrammes, logos, couleurs symboliques…) et/ou des mots.

Les drapeaux ont plusieurs formes.

Le drapeau du Népal est le seul drapeau national qui ne soit pas un quadrilatère, il est formé de deux triangles.

Drapeau du Turkmenistan

Il peut arborer des armoiries

Exploration 1: Représenter le drapeau français le plus fidèlement possible.

A quoi reconnaît-on un drapeau ? (formes simples, aplats de couleur, pas de texture, pas de relief, pas de matière, plans, en général rectangulaires, signalétique)

Quelles sont les particularités des supports, des formats, des formes des drapeaux ? (géométriques, lisses, sans texture, presque immatériel, plans, homogénéité)

Exploration 2: Produisez le drapeau des arts plastiques avec les techniques de votre choix.

Qu’avez-vous apporté de plus ? (formes, symboles, support, relief, texture, matière, dégradés, hétérogénéité, etc)

Se poser la question du point de vue du regardeur: de quelle manière souhaite-t-on qu’il appréhende le drapeau ?

Réinvestissement 1: « Le plus spectaculaire des drapeaux des arts plastiques », possibilité de retravailler avec son smartphone ou sur ordinateur.

Est-ce toujours un drapeau ? Pourquoi ?

Quels sont les éléments plastiques que vous avez ajoutés qui n’existent pas dans les vrais drapeaux ? (matière, objets, picturalité, matériaux, transparence, brillance, matité, profondeur, texture, relief, volume, etc)

Qu’apporte le numérique à votre travail ? (Il rend l’image lisse et immatérielle, s’approche du drapeau)

Pourquoi une image numérique se rapproche-t-elle des vrais drapeaux ? Qu’ont ils en commun et quelles sont les différences ? (possibilité de saturer les couleurs, de travailler des formes géométriques sur des effets de matière, créer des formes géométriques, insérer des filtres, etc)

Qu’avez-vous conservé des drapeaux pour que votre production en fasse partie ? (géométrie, couleurs en aplat, composition, signalétique etc)

Premiers jets des élèves :

Autre piste: (parcours avec les élèves du collège et les étudiants de l’ESPE)

Exploration 1: Représenter le drapeau français Le Plus Fidèlement Possible: 10 min

Mise en commun: une image de drapeau, ses constituants, ses composants ?

• des couleurs qui forment un tout :
• couleurs vives, pour qu’on les voit,
• mêmes familles d’images: les logos, les panneaux de signalisation,
• SIGNALETIQUE Qu’est ce que ça veut dire ? Vu de loin comme de près, il y a une information et on sait quoi faire, il informe sur le pays, la famille une région , une équipe de foot
• les couleurs: elles ne se mélangent pas, elles ont des frontières précises
• comment elles sont faites: en aplat, uniformes, lisses, elles sont structurées, les formes ont peut être une signification,
• l’organisation est quelque chose d’organique, composition le détail fait partie du tout,
• le drapeau est une composition,
• quelle technique a servi pour faire cette composition ? De quelle nature sont ces formes ?
• ce sont des formes géométriques = transversalité; bien délimitées des contours précis, couleurs symboliques,
• les drapeaux sont immatériels, le support de loin n’est pas visible, il ne doit pas avoir d’incidence sur la lecture de l’image

Exploration 2: « donnez de la matière à votre drapeau », 20 minutes 

Exploration 3: « déstructurez le drapeau ! 20 minutes

Réinvestissement 1: Imaginez le drapeau des arts plastiques (difficulté: on devra identifier des composantes d’un drapeau)

Réinvestissement 2: installez les drapeaux dans la salle: une Marianne à la mode !

Références artistiques:

Des drapeaux représentés avec de la nourriture du pays correspondant:

Claude Monet, impressionniste

Salvador Dali, Nature morte vivante,

Jasper Johns, ci dessous Trois Drapeaux, 1958, il rend le drapeau palpable, bien matériel avec ses effets de matières.

Détail de drapeau

Dave Cole, détail d’un drapeau américain où la peinture se fait matière.

Sonya Clark, Black Hair Flag. Des drapeaux avec des cheveux ?

Jean Pierre Raynaud, « Il y a 45 ans, j’ai pris l’objet comme moyen d’expression, comme moyen de communication, avec pour geste autobiographique des pots de fleurs que je remplissais de ciment. Aujourd’hui je me situe à l’antithèse de ce geste intime en employant les drapeaux internationaux en tant que code génétique du monde. Une autre façon de rencontrer « l’autre » sans en être l’épicentre, une petite révolution pour moi. Finalement, on a toujours une alternative: être dans le champ ou hors du champ »

Keith Haring, Drapeau américain

Né à Quanzhou, dans la province méridionale du Fujian, en 1957, Cai Guo-Qiang a grandi dans la Chine de Mao. Son énorme désir de connaître, non seulement l’art et la réalité politique du pays où il s’est formé, mais aussi les formes d’expression de l’art occidental, le pousse, dès 1986, à sortir de son pays natal pour aller vivre au Japon et aux États-Unis. Cai Guo-Qiang – « Drapeau rouge », 2005 – Réalisée dans la Galerie Nationale Zacheta, Varsovie, le 17 juin 2005, 19h15, 2 secondes – Surface d’explosion (drapeau) 640 x 960 cm – Mèche pour poudre à canon et drapeau rouge – Commandé par la Galerie Nationale Zacheta – Photo Tatsumi Masatoshi, courtoisie Cai Studio. La poudre à canon est une invention chinoise qui veut dire « médecine de feu », Cai Guo-Qiang a travaillé avec des pyrotechniciens pour davantage maîtriser les explosions (durée, précision) afin d’en faire une oeuvre créatrice à partir d’une destruction.

Nam June Paik réalise des drapeaux avec des moniteurs vidéo

Lui Bolin se camoufle derrière des drapeaux. L’artiste n’est-il pas universel ?

Chris Bracey, American Pie,

Meschac Gaba fait converger des drapeaux du monde entier, parfois africains vers le centre de sa toile pour inviter au bien vivre ensemble à être citoyen du monde comme le porte le titre d’une de ses oeuvres.

Lilan Bourgeat utilise le drapeau lors du G7 pour mettre en scène des manches à air qui se tendent sous l’action de l’air. Nos troubles – Lilian Bourgeat et Philippe Vuillemin, Sans titre, 2002 – tapis roulant (Lilian Bourgeat), dessins (Philippe Vuillemin) – Production CRAC LR

http://sreshtaritpremnath.com/folding-rulers#jp-carousel-1908

L’artiste sud-africain Willem Boshoff présente «Flag I» à la foire d’art contemporain «Frieze», qui ouvre aujourd’hui à Londres. Photo Leon Neal. AFP Source Libération

Sreshta Rit Premnath, propose ici un drapeau de couleur terre avec des chaussures postées devant, comme si elles le contemplaient, se recueillaient devant, remplies de terre. Cette installation invite au recueillement. Serait-ce le drapeau de la planète Terre ?

Yan Pei-Ming, Landscape of Childhood, Pays d’enfance, cet artiste chinois installe un hymne à l’enfance  dont on sait combien elle est précieuse et souvent bafouée dans de nombreux pays dont la Chine.

Sara Rahbar Flag #10 2008 Mixed media textile 165 x 89 cm, le drapeau devient image matière, image matérielle et multiculturelle

Leo Villareal’s Flag #independenceday, un drapeau fait avec des néons, on se rapproche de l’immatériel …

David Benoît, artiste belge, Drapeau avec des objets de récupération

Leroux, Debout !, 2010, tôle froissée peinte

Ulla Von Brandenburg

Chhime Dorje, artiste contemporain et bhoutanais s’inspire des drapeaux à prières que les éléments ont malmené.
Soleil, vent, pluie ont eu raison de ces drapeaux là où ils sont placés : cols et sommets.

Jeremy Dean

Mark Flood, Fake Flag (faux drapeau), 2015, UV ink on canvas, 259 x 259 cm. Courtesy of Stuart Shave/Modern Art. Qu’y a-t-il de faux dans ce tableau ? Le drapeau ou la toile ?

Laurence Jenkell

2ème temps: installez les drapeaux dans le collège:

Christo

Et bien sûr Wonder Woman qui porte le drapeau américain comme costume minimaliste !