Le drapeau des arts plastiques, 4ème

https://prezi.com/e6rqvukqejxr/les-drapeaux/#

Entrée des programmes:

Les images et leur relation au réel

Apprentissages:

Appréhender les relations entre l’image et son référent

Produire des images numériques

Compétences:

Différencier les images matérielles et immatérielles

Un drapeau est une pièce d’étoffe attachée à une hampe, qui représente la « personne morale » d’un groupe ou d’une communauté : un pays (une nation), une ville, une compagnie commerciale ou d’armement, un régiment… Il a très fréquemment la forme d’un rectangle aux proportions 2:3, mais il existe des variations, aussi bien sur la forme que sur les proportions.

C’est une image qui fonctionne comme un signal: c’est une image signalétique. Elle est claire et efficace quant au message. Elle doit être comprise instantanément comme un feu rouge qui ordonne de s’arrêter sur la route.

La signalétique est la science de la signalisation. Elle est fondée sur une sémantique iconique et/ou langagière, c’est-à-dire utilisant des signes (chiffres, pictogrammes, logos, couleurs symboliques…) et/ou des mots.

Les drapeaux ont plusieurs formes.

Le drapeau du Népal est le seul drapeau national qui ne soit pas un quadrilatère, il est formé de deux triangles.

Drapeau du Turkmenistan

Il peut arborer des armoiries

Exploration 1: Représenter le drapeau français le plus fidèlement possible.

A quoi reconnaît-on un drapeau ? (formes simples, aplats de couleur, pas de texture, pas de relief, pas de matière, plans, en général rectangulaires, signalétique)

Quelles sont les particularités des supports, des formats, des formes des drapeaux ? (géométriques, lisses, sans texture, presque immatériel, plans, homogénéité)

Exploration 2: Produisez le drapeau des arts plastiques avec les techniques de votre choix.

Qu’avez-vous apporté de plus ? (formes, symboles, support, relief, texture, matière, dégradés, hétérogénéité, etc)

Se poser la question du point de vue du regardeur: de quelle manière souhaite-t-on qu’il appréhende le drapeau ?

Réinvestissement 1: « Le plus spectaculaire des drapeaux des arts plastiques », possibilité de retravailler avec son smartphone ou sur ordinateur.

Est-ce toujours un drapeau ? Pourquoi ?

Quels sont les éléments plastiques que vous avez ajoutés qui n’existent pas dans les vrais drapeaux ? (matière, objets, picturalité, matériaux, transparence, brillance, matité, profondeur, texture, relief, volume, etc)

Qu’apporte le numérique à votre travail ? (Il rend l’image lisse et immatérielle, s’approche du drapeau)

Pourquoi une image numérique se rapproche-t-elle des vrais drapeaux ? Qu’ont ils en commun et quelles sont les différences ? (possibilité de saturer les couleurs, de travailler des formes géométriques sur des effets de matière, créer des formes géométriques, insérer des filtres, etc)

Qu’avez-vous conservé des drapeaux pour que votre production en fasse partie ? (géométrie, couleurs en aplat, composition, signalétique etc)

Premiers jets des élèves :

Autre piste: (parcours avec les élèves du collège et les étudiants de l’ESPE)

Exploration 1: Représenter le drapeau français Le Plus Fidèlement Possible: 10 min

Mise en commun: une image de drapeau, ses constituants, ses composants ?

• des couleurs qui forment un tout :
• couleurs vives, pour qu’on les voit,
• mêmes familles d’images: les logos, les panneaux de signalisation,
• SIGNALETIQUE Qu’est ce que ça veut dire ? Vu de loin comme de près, il y a une information et on sait quoi faire, il informe sur le pays, la famille une région , une équipe de foot
• les couleurs: elles ne se mélangent pas, elles ont des frontières précises
• comment elles sont faites: en aplat, uniformes, lisses, elles sont structurées, les formes ont peut être une signification,
• l’organisation est quelque chose d’organique, composition le détail fait partie du tout,
• le drapeau est une composition,
• quelle technique a servi pour faire cette composition ? De quelle nature sont ces formes ?
• ce sont des formes géométriques = transversalité; bien délimitées des contours précis, couleurs symboliques,
• les drapeaux sont immatériels, le support de loin n’est pas visible, il ne doit pas avoir d’incidence sur la lecture de l’image

Exploration 2: « donnez de la matière à votre drapeau », 20 minutes 

Exploration 3: « déstructurez le drapeau ! 20 minutes

Réinvestissement 1: Imaginez le drapeau des arts plastiques (difficulté: on devra identifier des composantes d’un drapeau)

Réinvestissement 2: installez les drapeaux dans la salle: une Marianne à la mode !

Références artistiques:

Des drapeaux représentés avec de la nourriture du pays correspondant:

Claude Monet, impressionniste

Salvador Dali, Nature morte vivante,

Jasper Johns, ci dessous Trois Drapeaux, 1958, il rend le drapeau palpable, bien matériel avec ses effets de matières.

Détail de drapeau

Dave Cole, détail d’un drapeau américain où la peinture se fait matière.

Sonya Clark, Black Hair Flag. Des drapeaux avec des cheveux ?

Jean Pierre Raynaud, « Il y a 45 ans, j’ai pris l’objet comme moyen d’expression, comme moyen de communication, avec pour geste autobiographique des pots de fleurs que je remplissais de ciment. Aujourd’hui je me situe à l’antithèse de ce geste intime en employant les drapeaux internationaux en tant que code génétique du monde. Une autre façon de rencontrer « l’autre » sans en être l’épicentre, une petite révolution pour moi. Finalement, on a toujours une alternative: être dans le champ ou hors du champ »

Keith Haring, Drapeau américain

Né à Quanzhou, dans la province méridionale du Fujian, en 1957, Cai Guo-Qiang a grandi dans la Chine de Mao. Son énorme désir de connaître, non seulement l’art et la réalité politique du pays où il s’est formé, mais aussi les formes d’expression de l’art occidental, le pousse, dès 1986, à sortir de son pays natal pour aller vivre au Japon et aux États-Unis. Cai Guo-Qiang – « Drapeau rouge », 2005 – Réalisée dans la Galerie Nationale Zacheta, Varsovie, le 17 juin 2005, 19h15, 2 secondes – Surface d’explosion (drapeau) 640 x 960 cm – Mèche pour poudre à canon et drapeau rouge – Commandé par la Galerie Nationale Zacheta – Photo Tatsumi Masatoshi, courtoisie Cai Studio. La poudre à canon est une invention chinoise qui veut dire « médecine de feu », Cai Guo-Qiang a travaillé avec des pyrotechniciens pour davantage maîtriser les explosions (durée, précision) afin d’en faire une oeuvre créatrice à partir d’une destruction.

Nam June Paik réalise des drapeaux avec des moniteurs vidéo

Lui Bolin se camoufle derrière des drapeaux. L’artiste n’est-il pas universel ?

Chris Bracey, American Pie,

Meschac Gaba fait converger des drapeaux du monde entier, parfois africains vers le centre de sa toile pour inviter au bien vivre ensemble à être citoyen du monde comme le porte le titre d’une de ses oeuvres.

Lilan Bourgeat utilise le drapeau lors du G7 pour mettre en scène des manches à air qui se tendent sous l’action de l’air. Nos troubles – Lilian Bourgeat et Philippe Vuillemin, Sans titre, 2002 – tapis roulant (Lilian Bourgeat), dessins (Philippe Vuillemin) – Production CRAC LR

http://sreshtaritpremnath.com/folding-rulers#jp-carousel-1908

L’artiste sud-africain Willem Boshoff présente «Flag I» à la foire d’art contemporain «Frieze», qui ouvre aujourd’hui à Londres. Photo Leon Neal. AFP Source Libération

Sreshta Rit Premnath, propose ici un drapeau de couleur terre avec des chaussures postées devant, comme si elles le contemplaient, se recueillaient devant, remplies de terre. Cette installation invite au recueillement. Serait-ce le drapeau de la planète Terre ?

Yan Pei-Ming, Landscape of Childhood, Pays d’enfance, cet artiste chinois installe un hymne à l’enfance  dont on sait combien elle est précieuse et souvent bafouée dans de nombreux pays dont la Chine.

Sara Rahbar Flag #10 2008 Mixed media textile 165 x 89 cm, le drapeau devient image matière, image matérielle et multiculturelle

Leo Villareal’s Flag #independenceday, un drapeau fait avec des néons, on se rapproche de l’immatériel …

David Benoît, artiste belge, Drapeau avec des objets de récupération

Leroux, Debout !, 2010, tôle froissée peinte

Ulla Von Brandenburg

Chhime Dorje, artiste contemporain et bhoutanais s’inspire des drapeaux à prières que les éléments ont malmené.
Soleil, vent, pluie ont eu raison de ces drapeaux là où ils sont placés : cols et sommets.

Jeremy Dean

Mark Flood, Fake Flag (faux drapeau), 2015, UV ink on canvas, 259 x 259 cm. Courtesy of Stuart Shave/Modern Art. Qu’y a-t-il de faux dans ce tableau ? Le drapeau ou la toile ?

Laurence Jenkell

2ème temps: installez les drapeaux dans le collège:

Christo

Et bien sûr Wonder Woman qui porte le drapeau américain comme costume minimaliste !

Une bouteille à toucher, 5 ème

Entrée des programmes:

l’image et son référent

Apprentissages: 

Utiliser divers modes de représentation

Modifier le statut d’une image

Compétences:

Construire une image à partir d’éléments d’origines diverses

Utiliser les pratiques conventionnelles du dessin

Identifier les procédures utilisées: (prélèvement, assemblage, collage)

Séance réalisée avec les étudiants du SUFP.

Exploration 1: « représenter le plus fidèlement possible la bouteille » 15 minutes

Mise en commun:

Quels sont les éléments de la bouteille représentés ?

La forme, la texture, les contours, les reflets, le relief, la matière, la silhouette, sa composition, etc

Exploration 2: « Une bouteille à toucher », travaillez sur la bouteille en volume.

Comment avez-vous réussi à donner l’envie de toucher votre bouteille ?

Par les matériaux, les couleurs, les textures, les matières

Comment sont ces matériaux ?

Parfois durs, doux, piquants, mous, légers, beaux, rugueux, poreux, lisses, granuleux, brillants, colorés

Comment sont les couleurs ?

Parfois vives, pastels, ou sombres, etc

Comment appelle-ton une sculpture faite de matériaux et d’objets divers ?

Un assemblage

Réinvestissement 1: Mélangez votre première représentation avec cette bouteille à toucher pour une nouvelle représentation sur le format raisin (50X65 cm)

Références artistiques:

Rogier Van der Weyden, peint au XVème siècle cette Annonciation remarquable pour ses détails nombreux dont le flacon en verre situé à gauche parsemé de reflets. Symbole de la pureté mariale, ce flacon est une matrice traversé par la lumière comme le ventre de Marie par le Verbe qui se fait chair.

La volonté dans ce triptyque est de donner une vision de l’Annonciation intelligible pour les fidèles. La peinture imite la réalité avec ses textures, ses matières, ses couleurs, ses reflets.

Pieter Claesz, Nature morte au crabe, plus tard, la représentation d’objets inanimés devient un genre en peinture  » la nature morte  » qui demande à l’artiste de représenter le plus fidèlement possible les aspects de ces objets.

Plus tard, en 1912, Pablo Picasso intègre dans la Nature morte à la chaise cannée un morceau de tapisserie imitant la réalité de la chaise. Il s’agit d’un prélèvement qu’il opère dans sa peinture qui devient par l’intégration d’un élément autre, un assemblage.

Pablo Picasso, Verre d’absinthe, 1914. Bronze peint et sablé et cuillère à absinthe 21,5 x 16,5 x 6,5 cm, la sculpture est très tactile:

Kurt Schwitters dans cet assemblage réunit différents matériaux aux couleurs et textures différentes: la technique de l’assemblage renforce l’aspect tactile du tableau.

Tony Cragg dans ses bouteilles récupère des morceaux de plastique transparents qui donnent du relief. L’aspect est rugueux.

L’artiste tchèque Veronika Richterová crée une vie nouvelle à partir de bouteilles de plastique PET réutilisés, l’artiste a utilisé diverses méthodes de coupe, chauffage, et l’assemblage de construire des formes colorées translucides

Avant de commencer cet article il est nécessaire de lire celui-ci: le mouvement notion ou constituant plastique ?

https://perezartsplastiques.com/2016/11/12/le-mouvement-notion-ou-constituant-plastique/

Nous allons commencer cet article par le nec plus ultra, cet art du déplacement ou ADD. Spectaculaire et à la mode, cet art sillonne nos villes et les forêts.

« L’homme a pour habitude d’utiliser les chemins et les escaliers pour se déplacer. Le traceur cherche le moyen le plus efficace de se rendre d’un point A à un point B, explique Mickaël. Pour s’amuser, il ajoute des acrobaties. » Le parkour est plus « un état d’esprit » qu’une discipline sportive.

Les traceurs sillonnent les villes avec leurs figures acrobatiques défiant la gravité. C’est la nouvelle tendance du mouvement de ces dernières années. Le parkour en tant que tel n’existe que depuis les années 1990. Il reste peu connu du grand public et des institutions sportives traditionnelles. Le parkour est considéré comme un sport extrême à cause des risques de blessure en environnement extérieur mais surtout à cause de l’image spectaculaire véhiculée par les médias.

Impressionnant non ?

La chronophotographie:

« La technique de la photographie offre aux scientifiques des possibilités nouvelles. A partir des années 1870, le Français Etienne-Jules Marey (1830-1904) et dans son sillage l’Américain Eadweard Muybridge (1830-1904) se servent d’instantanés photographiques pour décomposer le mouvement des êtres vivants. En dissociant, en figeant, en analysant les poses successives de leurs modèles, les deux hommes peuvent capturer le détail des activités sportives ou des gestes de la vie courante. » la décomposition du mouvement

La représentation du mouvement a connu ses heures de gloire avec l’invention de la photographie permettant la décomposition du mouvement. De ces nouvelles possibilités sont nées des théories dans le monde du travail qui ont donné le travail à la chaîne.

Le film de Charlie Chaplin Les Temps Modernes en fait la critique.

« Inventée par le physiologiste Etienne-Jules Marey en 1882, la chronophotographie est un instrument d’observation scientifique. A l’aide d’une chambre photographique équipée d’un grand obturateur tournant, elle permet d’enregistrer une série d’images successives sur un même support photosensible (soit sur des plaques de verre de format 9 x 12 ou 13 x 18, soit, dès 1888, sur une bande mobile en celluloïd), à partir d’un point de vue unique et à des intervalles de temps égaux. Ces images, prises à une fraction de millième de seconde, restituent avec une troublante perfection l’intégralité du déplacement d’un sujet devant un fond noir. Dès lors, en visualisant de façon précise la décomposition et la variation des mouvements, il est possible d’en comprendre le fonctionnement.  » Le sport et la photographie

Le futurisme et le mouvement, la dynamique

Le mouvement futuriste s’est inspiré de cette nouvelle technique en restituant des mouvements par leur décomposition. Le futurisme est un mouvement littéraire et artistique européen du début du xx^e siècle (de 1909 à 1920), qui rejette la tradition esthétique et exalte le monde moderne, en particulier la civilisation urbaine, la machine et la vitesse.

Umberto Boccioni, Dynamisme d’un cycliste (Dinamismo di un ciclista), 1913, Collection Peggy Guggenheim.

Russolo, dynamisme d’une automobile

Giacomo Balla, Dynamisme d’un chien en laisse, 1912

Le mouvement devient une préoccupation plastique pour les artistes en quête de vitalité.

L’art cinétique

L’art cinétique, art du mouvement, naît un peu plus tard. L’expression Art cinétique est pour la première fois employée par une institution muséale, le Kunstgewerbemuseum, actuel Museum für Gestaltung de Zürich, en 1960. L’exposition MAT-Kinetische Kunst — Multiple Art Transformable-Art cinétique, que l’artiste Daniel Spoerri y organise, présente « des œuvres d’art de Paris qui se meuvent ou sont mues », où se côtoient les réalisations de Jacoov Agam,

Josef Albers,

Pol Bury,

Marcel Duchamp,

Karl Gerstner, Heinz Mack, Frank Malina, Enzo Mari, Bruno Munari, Man Ray, Dieter Roth,

Jésus Rafael Soto,

Jean Tinguely

et Victor Vasarely.

Ces œuvres sont alors dites multiples, non seulement parce qu’elles sont produites en série mais aussi du fait qu’elles bougent et se transforment à vue.

Le stopmotion

L’animation en volume est l’une des techniques d’animation, permettant de faire bouger des objets immobiles, procédé parfois désigné par l’anglicisme stop motion (ou stop-motion) Le découvreur de l’animation en volume est le réalisateur et comédien américain James Stuart Blackton qui, en 1906, utilise pour la première fois ce qu’en France on appellera le « mouvement américain.

Un parkour en stopmotion:

Le light painting,

Le mouvement est au coeur des dispositifs de light painting. La lumière se déplace pour laisser son empreinte sur le cliché final.

Picasso en a réalisé de fameux:

Il faut une sacrée représentation dans l’espace par l’intermédiaire du corps et du geste pour obtenir un tel résultat. Il suffit pour s’en convaincre de suivre le fil de la lumière. Picasso danse pour réaliser ses dessins. Il y a une parfaite adéquation entre le corps, le geste et l’espace.

Action painting:

L’action painting, traduit littéralement « peinture active », désigne aussi bien une technique qu’un mouvement pictural d’art abstrait apparu au début des années 1950 à New York.Le terme a été proposé en 1952 par le critique américain Harold Rosenberg pour caractériser l’importance de la gestualité dans le travail de certains artistes expressionnistes abstraits. Jackson Pollock en est le principal acteur. Il danse sur ses toiles pour laisser couler la peinture au gré de ses mouvements.

L’artiste est au coeur du mouvement, c’est lui qui l’impulse dans l’oeuvre. Pollock fait corps avec sa toile? ils ne font plus qu’un.

Jean Paul Riopelle, 1958, Sans Titre

Action painting avec des lumières

Le mouvement, longtemps représenté par ce que j’appellerai l’art postural, cet art de la posture figée dans un mouvement, est petit à petit rentré dans la toile, dans l’oeuvre pour devenir l’expression du corps de l’artiste.

les mobiles de Calder:

Calder invente cette structure mobile qui a pour effet de se mouvoir dans l’espace. Le mouvement n’est plus suggéré mais bien réel.

L’art postural:

En posturologie, la posture est l’élaboration et le maintien actif de la configuration des différents segments du corps dans l’espace, elle exprime la manière dont l’organisme affronte les stimulations du monde extérieur et se prépare à y réagir.

Attitude, position du corps, volontaire ou non, qui se remarque, soit par ce qu’elle a d’inhabituel, ou de peu naturel, de particulier à une personne ou à un groupe, soit par la volonté de l’exprimer avec insistance. Synon. attitude, contenance, maintien, pose.Posture d’un gymnaste, d’un mime; posture comique, bizarre, hiératique, naturelle; changer de posture.

La posturalité a dominé le champ artistique jusqu’à ce que les techniques libèrent les artistes de ce poids de l’imitation. Comment imiter le mouvement, ce qui est fugace et temporel dans une peinture figée et incapable par sa nature même de restituer le temps ? La posturalité est l’artifice que les artistes ont trouvé pour montrer l’instant donné dans une peinture ou dans la sculpture.

En Egypte, l’art est hiératique. Les figures représentées sont figées dans un instant donné. Mais ce qui domine est ce sentiment d’éternité où rien ne peut bouger.

Dans la Grêce antique, la posture anime les corps exaltés dans des exploits physiques ou alors dans des canons de beauté. Le corps est magnifié dans un mouvement arrêté.

Comment ne pas songer au tableau de Matisse de 1910 ?

 Le Discobole (lanceur de disque)  de Myron. (L’original grec etait  bronze)

Le contrapposto:

Le contrapposto, plus rarement orthographié contraposto en français, ou hanchement désigne dans les arts visuels une attitude du corps humain où l’une des deux jambes porte le poids du corps, l’autre étant laissée libre et légèrement fléchie. Le contrapposto apparaît dans la sculpture grecque à la fin du vi^e siècle av. J.-C. et marque la transition entre l’art archaïque et le premier classicisme². L’attitude permet d’introduire du dynamisme dans la composition, tout en soulignant la cohérence du corps et le lien des différents muscles entre eux.

Copie d’une statue de Polyclète en contrapposto.

Les figures spiralées:

Les figures spiralées se composent de manière dynamique avec un mouvement particulier des épaules et du buste. Le corps semble comme être en spirale autour de l’axe de la colonne vertébrale.

La Joconde de Léonard de Vinci en est un exemple:

Plus tard Pontormo, dans la Déposition du Christ,  reprendra cet art de la spirale de manière magistrale.

Mais il y a eu des périodes artistiques où le mouvement était proscrit. C’est le cas de l’art byzantin, hiératique par excellence.

Le mouvement comme apothéose:

L’art baroque met en scène des mouvements complexes traduisant l’ascension de l’âme vers le divin. Pozzo en est un exemple:

Fragonard dans Les Hasards heureux de l’escarpolette peint une scène galante toute en mouvement autour de la pantoufle saisie en plein vol entre 1767 et 1769.

Les impressionnistes s’attacheront à la représentation du mouvement comme instant fugace.

Monet dans cette peinture accorde plus d’importance aux mouvements des drapeaux qu’au reste de la scène.

L’art hiératique, une figure du politique:

L’art hiératique est un art qui pose l’éternité comme principe esthétique, religieux et politique. Pas question de laisser le mouvement transparaître ne serait-ce par le contrapposto bien connu des anciens. La stabilité religieuse et politique est au coeur de ces formes artistiques. Il n’y a pas de place pour un contre-pouvoir qui laisserait penser que tout renversement est possible. Le geste de la main ci-dessous du Christ est en fait un signe et non une représentation d’un mouvement de la main. Il se pose en maître du monde. C’est un Christ Pantocrator, maître tout – puissant.

L’adjectif, venu du grec παντοκράτωρ / pantokrátôr, signifie « tout puissant » et cette toute-puissance est exprimée par une lumière sans ombre, par le nimbe qui entoure la tête et des symboles comme les lettres grecques : α et ω (alpha et oméga).

Plus tard, dans l’art de la propagande, on peut remarquer cette tendance au hiératisme. Cette affiche de propagande fasciste en est un exemple.

Mais le mouvement peut aussi intervenir pour montrer la puissance du pouvoir. Le mouvement l’exalte.

livret de propagande vichy pour les agriculteurs

La netteté est également un critère pour montrer la force du pouvoir en place. Le flou imprégnerait l’image d’ une zone d’ombre et de revendications.

En revanche, certaines images politiques radicales utilisent le flou photographique pour montrer le mouvement du peuple en avant. Effet de zoom sur le candidat pour montrer sa force. Effet de campagne.

L’art de l’Islam:

Il n’y a pas de mouvement dans cet art de l’abstraction qui pose un interdit de la figuration.

Des artistes contemporains tentent de mettre du mouvement dans cet art statique par excellence.

Hassan Massoudy, on voit la trace du pinceau sur la toile. Le mouvement y est inscrit, trace d’une présence qui se manifeste dans le geste, le faire.

L’art chinois:

Le mouvement est celui du pinceau sur la toile.

Mais dans la représentation figurative, l’art y est postural.

Les songlines: 

Il s’agit d’une représentation chantée et imagée d’un itinéraire selon des symboles bien définis. Le rêve est à l’origine de cet itinéraire partagé par ceux appartenant au même rêve. Les songlines sont des pistes chantées. Dans l’art aborigène, chaque chant est sacré et fournit une description très précise du chemin à parcourir à pied. Ainsi, un homme d’une région étrangère qui ne connaît pas de difficultés pour s’orienter, peut circuler. C’est un récit mythique qui relate la création d’une part du monde. Toues les particularités du paysage sont présentes. L’image se mêle au chant pour tracer un itinéraire. Il s’agit d’une représentation du mouvement symbolique, une sorte de jeu de piste où chacun retrouverait sa route en fonction des symboles représentés.

Le mouvement dans le cinéma:

Lors de son invention; le cinéma, qui est aujourd’hui si banal pour nous, fut un véritable bouleversement. Un des premiers films fut un train arrivant dans une gare. Lors de sa projection, le film fit peur aux spectateurs qui décampèrent de la salle. Un film espagnol nous a fait revivre le moment mais j’ai perdu le lien. Si un internaute avait la gentillesse de me le communiquer …

Le mouvement de la caméra autour des danseurs dans Sevillana de Carlos Saura est une prouesse technique. En effet, il s’agit d’un plan séquence où le caméramen a dû composer son mouvement avec ceux des danseurs. La caméra tourne autour des personnages en mouvement qui tournent sur eux-mêmes.

Le mouvement dans la photographie:

Harold Edgerton réalise des photos montrant des mouvements rapides grâce aux possibilités de son appareil. L’instant est saisi. Il est abrupt. La photo fait voir ce que l’oeil ne peut saisir.

Le mouvement dans l’art numérique:

Daniel Franke & Cedric Kiefer, cliquez sur l’image. Ce projet repose sur une idée simple: construire une sculpture de sable, en mouvement, à partir des données capturées des mouvements d’une vraie personne.Une danseuse a été modélisée sous une forme de 22000 pixels qui évoluent comme une sculpture de sable. Combinant ces données dans 3DS max, le corps de la danseuse peut ainsi être recréé numériquement en 3 dimensions; un corps numérique, composé d’un nuage de 22 000 points, dont le mouvement définit l’espace qui l’entoure.

unnamed soundsculpture from Daniel Franke on Vimeo.

Vous avez aimé ? Davantage de thématiques ici:

https://perezartsplastiques.com/les-notions-dans-les-arts-plastiques/

Le drapé est cet art de rendre les plis dans les étoffes recouvrant les corps des personnages. Autrefois, en sculpture, c’était un parcours obligé que les artistes entreprenaient avec brio. On a à l’esprit la Piétà de Miche-Ange où les plis encadrent la scène avec force.

Le Christ voilé (Cristo velato), 1753 est une sculpture en marbre de Giuseppe Sanmartino, conservée à la chapelle Sansevero de Naples, en Italie.

Le rendu de l’étoffe recouvrant le visage du Christ est stupéfiant. On dirait que le marbre est transparent. La finesse de cette sculpture, son incroyable virtuosité a donné lieu à des légendes autour de ce voile. L’acheteur aurait, selon cette fable, enseigné à Giuseppe l’art de calcifier des étoffes selon une recette alchimiste. Mais des analyses ont été faites et le voile est bien taillé dans du marbre. Par endroit, on dirait de l’eau tellement la pierre et fine et diaphane.

Les plis se mêlent à la chevelure ondulé, épousent les formes du corps comme une onde le recouvrant.

Les pieds sont remarquables également.

Antonio Corradini (1688-1752), a auparavant sculpté une Pudeur avec un talent similaire. La jeune femme est représentée dans une attitude s’abandonnant aux plis de son voile.

La finesse du rendu est là aussi stupéfiante. L’art a atteint son paroxysme au niveau du réalisme des drapés.

Complément de l’article

https://perezartsplastiques.com/2015/09/26/le-pli-dans-lart/

Des outils de présentation très utiles pour agrémenter les cours:

Vizualize.me

Des modèles riches, possibilité de créer son modèle.

Piktochart.com

Visual.ly

Un autre site de présentations avec des modèles en pagaille.

easel.ly

Faire une image interactive sur thinglink.com

Un exemple de présentation interactive:

https://www.thinglink.com/scene/749962697205874688

Des sites de retouches d’images:

Picozu avec des filtres intéressants et très fonctionnel

Rollip.com un peu moins intéressant car on choisi de filtre avant de télécharger l’image, mais des effets nombreux.

Pixlr un clone de photoshop

sumopaint de même

Pour supprimer un arrière-plan d’une photo, très pratique:

clippingmagic 

Bande dessinée:

http://www.toondoo.com/

https://www.pixton.com/fr/

http://stripgenerator.com/strip/create/

ajout de bulles sur des photos:

http://bighugelabs.com/captioner.php

« Par rapport à l’Occident, tout en Russie se hausse d’un degré : le scepticisme y devient nihilisme, l’hypothèse dogme, l’idée icône. »

Histoire et Utopie
Emil Michel Cioran

À l’origine, le terme icône désignait toute image religieuse, quelle qu’en soit la technique (peinture, mosaïque, orfèvrerie, tissu…).

L’icône est un type d’image (« sainte image » selon la tradition chrétienne) bien particulier qui a vu le jour pendant la période byzantine dans la religion chrétienne orthodoxe. Aujourd’hui, elle vise le type d’images qui désigne soit un programme informatique soit une catégorie de symboles qui circulent dans les messages informatiques.

Quels sont les points communs ? Pourquoi avoir choisi ce terme parmi tant d’autres ?

Quelle est la parenté entre ces deux types d’images, icône religieuse et icône informatique ?

Une icône, (du grec εικόνα eikona) « image », est une représentation de personnages saints dans la tradition chrétienne.  L’art de l’icône s’est épanoui dans l’espace de l’empire romain d’Orient, dit (depuis le XVI^e siècle) empire byzantin.

Le Voile de sainte Véronique relate une histoire bien connue des religieux et des amateurs d’art : sainte Véronique essuie le visage de Jésus de Nazareth à la sixième station du Chemin de croix. Sur le linge reste marquée la face du Christ. Le nom même de Véronique est une déformation du prénom Bérénice. De cette manière, le prénom Véronique semble signifier par un assemblage latino-grec (vera eikona) la « vraie icône». C’est une image achéiropoiète c’est-à-dire non faite de main d’homme.

Le  Greco

Ce qui frappe immédiatement quand on observe ces deux types d’icônes c’est leur frontalité, leur lisibilité faisant d’elles comme une sorte d’image signalétique ne comportant aucune ambiguité.

Vers les IV^e et V^e siècles, à partir de la paix constantinienne, l’icône connaît une réelle floraison. Elle veut présenter l’exemple de saints personnages, en garder la mémoire, illustrer les principaux événements de l’Ancien et du Nouveau Testament. Les icônes sont souvent des représentations de Saints et autres personnages sacrés, soit en peinture sur bois mobile, soit sous forme de mosaïque s’affichant sur les murs des édifices.

Les icônes religieuses sont souvent des représentations symboliques du monde et n’ont aucune prétention d’imiter le réel. Il s’agit de transmettre un monde transfiguré et religieux. L’icône a pour but de faire transparaitre le divin. L’Être divin transcendé à travers son image cultuelle doit se révéler au croyant. Elle est manifestation et incarnation du divin. De nos jours, la plupart des icônes sont peintes sur un support en bois. Mais il n’en a pas toujours été ainsi. Si la première icône fut un linge (mandylion), au IX^e siècle, il y avait des icônes en mosaïque, en or, en argent, en ivoire ou en émail cloisonné. La forme même des icônes est variable, généralement rectangulaire, il en existe des rondes et des ovales.

Lorsqu’on compare par exemple les émoticônes et les images byzantines, on est frappé par le style qui se ressemble: une frontalité absolue, des cernes pour délimiter les formes, des couleurs vives, une forte lisibilité sans ambiguïté à l’instar des images signalétiques,  un regard avec de grands yeux, des couleurs réparties en aplat, des images univoques, une relation particulière à l’écriture.

« L’œil est la lampe du corps. Si ton oeil est en bon état, tout ton corps sera éclairé mais si ton œil est en mauvais état, tout ton corps sera dans les ténèbres. Si donc la lumière qui est en toi est ténèbres, combien seront grandes ces ténèbres! » Matthieu 6.22-23.

Les émoticônes: Une émoticône est une courte figuration symbolique d’une émotion, d’un état d’esprit, d’un ressenti, d’une ambiance ou d’une intensité, utilisée dans un discours écrit. Dès l’invention de la première émoticône typographique «  », un nom anglais lui est donné : smiley, à l’image du célèbre smiley – le visage souriant dans un cercle jaune. Mais elles ont envahi l’art contemporain.

la première trace d’une émoticône daterait de 1648. Émoticônes imprimées dans la revue Puck (États-Unis) en 1881.

Voici le premier smiley:

Comme dans l’icône religieuse, il y a une forte identification de la part du créateur à son émoticône qui est censé l’incarner plus que le représenter.

L’icône dans l’art moderne et contemporain:

Gustav Klimt réalise des peintures sur fond d’or avec un vrai pouvoir hypnotique. Le spectateur est envoûté par le pouvoir plastique du tableau.

Portrait d’Adèle

Petra Mrzyk et Jean-François Moriceau. (2eme tableau, avec le smiley)

Le travail de Titus-Carmel, réalisé dans les couleurs même de la Crucifixion (noir, blanc, rouge et brun) se focalise notamment sur les représentations des mains et des pieds, avec des variantes qui vont jusqu’à l’abstraction.

Mais le célèbre Murakami réalise des peintures en mettant en scène des accumulations d’émoticônes!

Mais l’icône dans l’art contemporain peut avoir d’autres formes. C’est le cas de Marilyn de Warhol. Les portraits sont en aplat avec des couleurs vives. Les portraits sont dans la frontalité. De plus, comme pour les icônes byzantines, la démultiplication des portraits de Marilyn par la sérigraphie reprend bien les moyens de diffusion et de réception des plus anciennes icônes. Le jaune vif rappelle les fonds d’or des oeuvres byzantines. L’actrice devient un objet d’art en nombre, parfois méconnaissable mais l’essentiel est là: l’icône comme moyen de starification. C’est bien là le pouvoir des images religieuses à l’époque byzantine, toutes peintes à l’identique selon un cahier des charges fixé par les Pères de l’Eglise. D’ailleurs on ne dit pas « peindre une icône » mais écrire une icône. Celle-ci est une forme particulière de l’écriture divine. C’est un type d’image agissant comme le sont les images publicitaires.

L’oeuvre de Warhol montre bien la spécificité des icônes: ce ne sont pas les spectateurs qui regardent les icônes mais ce sont elles qui les regardent. Un pouvoir a investi ce type d’images. On dit, pour les amateurs d’icônes qu’ils sont iconophiles et ceux qui les condamnent iconoclastes.

Zedblek associe image de la Vierge et le célèbre Mickey.

Les icônes contemporaines:

Une icône veut frapper les esprits avec une idée forte et linéaire. D’ailleurs elle est fabriquée selon des techniques certes picturales mais avant tout religieuses. Tout est codifié, pensé selon la hiérarchie du divin.

Michel Journiac dans les années 80 réalise des photos en noir et blanc sur fond d’or.

Cette couverture de magazine mettant au premier plan Kate Moss fonctionne elle-aussi comme une icône. Frontalité, lisibilité, couleurs en aplat, rapport au texte.

La nature des images que nous trouvons dans les nouveaux médias, sur les smartphones et les réseaux sociaux rappelle celle des icônes religieuses. Pensons au selfie !

Le selfie: icône moderne

Le pouvoir des images et leur rayonnement en nous n’a cessé de se perfectionner et de croître. Le spectateur est de plus en plus happé par les nouvelles images qui fonctionnent comme des icônes. La société occidentale s’est forgée une catégorie d’images à travers l’actualité, la publicité et ses nouvelles formes auxquelles nous adhérons parfois sans réfléchir.

Esther Ferrer, Sans titre, série «Le livre des têtes», version 2011. Photo BN, lettres. 60 x 50 cm.

L’artiste interroge l’identité dans des photographies frontales qui créent un face-à-face dérangeant. Elle est une féministe, une anarchiste, une citoyenne engagée. Sans prétendre vouloir changer la société, elle tente d’impulser une autre façon de l’appréhender et d’encourager une certaine prise de conscience.

La photo judiciaire et anthropométrique:

Fiche anthropométrique d’Alphonse Bertillon réalisée en 1894

« Issu d’une famille de scientifiques, Alphonse Bertillon intègre en 1879 la Préfecture de police de Paris en tant que « commis aux écritures » chargé de la copie et du classement des fiches signalétiques et photographiques. Soucieux de remédier aux nombreuses approximations qui caractérisent l’accomplissement de ce travail, il propose un nouveau système de classement qui s’appuie sur les mesures du corps. L’anthropométrie suscite d’abord l’hostilité de sa hiérarchie. En 1882, l’autorisation est cependant donnée à Bertillon d’expérimenter son procédé pendant trois mois. Il parvient à identifier un délinquant récidiviste, ce qui marque le premier succès de sa méthode. » criminocorpus

Il est intéressant de remarquer la relation image/texte, la frontalité, le fond neutre pour faire ressortir le personnage.

Ce sont des icônes modernes qui sont toujours d’actualité. A celles d’aujourd’hui s’ajoutent des informations et données informatiques cryptées (pensons à la carte vitale) qui complexifient davantage la structure de celles-ci. Aujourd’hui, pensons aux passeports et cartes d’identité, les informations ne sont pas forcément visibles sur l’image.

On pourrait même dire que les images numériques sont toutes des icônes tant leur relation au texte est importante, leur luminosité, leur frontalité grâce à l’écran, … Nous vivons dans une ère de l’iconomania !

Danièle Pérez

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La femme n’a pas toujours été admise dans le champ artistique comme « artiste » à part entière. Pourtant, déifiée, représentée en héroïne durant la Préhistoire et l’Antiquité, c’est assez tardivement qu’elle s’est hissée au rang de créatrice à l’égal de l’homme. L’art du textile était par exemple une de ses activités songeons à Pénélope. C’est au XIX ème siècle qu’elle rentre dans la scène artistique avec une poussée bien revendiquée au XXème siècle. Longtemps, elles ont travaillé dans l’anonymat avec parfois des hommes qui reprenaient leurs oeuvres.

Nous verrons d’abord sa représentation dans l’art de la Préhistoire à nos jours pour voir enfin une sorte d’anthologie des artistes femmes dans l’histoire de l’art.

1.La représentation de la femme

La femme dans la Préhistoire:

Vénus de Willendorf

Les formes sont adipeuses pour montrer la fécondité dit-on. Mais cette théorie n’est pas encore démontrée. Ces statuettes du Paléolithique supérieur sont réalisées en terre cuite ou en ivoire. Elles furent appelées « Vénus » car elles correspondaient aux canons de l’époque. Plusieurs centaines ont été découvertes. Elles sont schématisées et comportent toutes des similitudes. Elles sont toutes contenues dans une forme géométrique: le losange comme le disait André Leroi-Gourhan avec un ventre proéminent.  On remarquera que la tête ne comporte pas de détails. Selon LeRoy McDermott, les figurines féminines en forme de losange auraient été sculptées par les femmes elles-mêmes au moment où elles étaient enceintes.

La femme dans l’Egypte Antique:

Dans l’Egypte Antique, la femme a une place importante, considérée comme la complémentarité de l’homme. La femme est l’égale de l’homme devant la loi. Elles sont souvent représentées en activité et prennent des figures de déesses. La femme et son image évoquent souvent la fertilité.

Égypte antique,mésopotamie,antiquité

Les déesses les plus importantes sont :

• Isis : déesse de la magie et des mystères,

• Hathor : déesse nourricière et de l’amour,

• Bastet : déesse protectrice du foyer,
• Sekhmet : déesse féroce. Elle est représentée par une femme à tête de lionne

La femme dans l’Antiquité Grecque:

La femme a un rôle de reine, parfois de déesse, de femme au foyer et d’épouse. Ses représentations sont nombreuses.

La Victoire de Samothrace, réalisée vers 190 avant J-C., à l’époque hellénistique, sur l’île de Samothrace, en haut du sanctuaire des Grands Dieux se dressait une statue de la déesse de la Victoire posée sur une curieuse base de pierre figurant l’avant d’un navire. La statue est à présent, exposée en haut des grandes marches au musée du Louvre. C’est une des oeuvres les plus connues de cette époque qui se voit être admirée par de nombreux visiteurs au Louvre.

La représentation des mouvements et des drapés est surprenante.

La Vénus de Milo est une célèbre sculpture grecque de la fin de l’époque hellénistique (vers 130-100 av. J.-C.) qui pourrait représenter la déesse Aphrodite (Vénus dans la mythologie romaine). Elle fait plus de deux mètres de hauteur pour montrer son importance aux yeux des Grecs. Le haut du corps est dénudé ; le bas est revêtu d’un himation roulé autour des hanches. Un himation est un vêtement de la Grèce Antique.

Aphrodite détachant sa sandale

Cette statue montre une posture quotidienne de la femme détachant sa sandale. C’est très en avance pour l’époque.

La représentation de la femme dans l’Antiquité Romaine:

Femme romaine de la période julio-claudienne (statue conservée au musée du Prado, à Madrid, en Espagne).

Portrait de jeune femme à Pompéi

La représentation de la femme dans l’art byzantin:

Théodora, mosaïque byzantine.

La femme est la figure de la Vierge représentée dans de nombreuses icônes. La figure féminine est schématisée, codifiée toute en frontalité.

C’est une représentation d’une mère avec son enfant sans contexte ni décor. Seule sa fonction de mère est représentée dans les icônes.

La représentation de la femme au Moyen-âge:

L’amour courtois relate les manières de courtiser des jeunes femmes avec des poèmes et douces paroles tout cela dans une grande pudeur. La femme devient un objet de dévotion dans l’art chevaleresque.

Dans les Riches Heures du Duc de Berry, on trouve des représentations effilées de jeunes femmes.

Dans cette miniature, on voit une femme peignant avec un homme préparant les pigments.

Dans cette enluminure, on voit la mode de l’époque. Ce qui est intéressant, c’est la représentation du temps dans cette peinture: le couple apparaît à deux moments différents dans la même image. Il s’agit d’un mariage princier au XVème siècle, moyen-âge finissant.

La représentation de la femme à la Renaissance:

En Flandres, les quantités de tableaux représentant la Vierge dans un décor construit fleurit à cette époque. Les intérieurs sont bien tenus et l’ordre parfait. C’est bien un modèle de bonne épouse et de femme au foyer que ces peintures proposent comme modèle aux femmes.

La chambre des époux Arnolfini, Van Eyck, 1434

Hans Memling, 1479

Portrait d’une jeune fille, Petrus Christus, la femme devient un modèle et sujet de peinture.

En Italie, la femme est également un sujet florissant.

Chez Crivelli, la femme est très graphique et déifiée.

La Joconde de Léonard de Vinci,

Les femmes représentent des modèles de beauté.

Mais La Vieille femme grotesque de Quentin Metsys montre une laideur épouvantable. La monstruosité côtoie la virtuosité picturale.

Le nu revient également dans la peinture avec Boticcelli dans la Naissance de Vénnus

La représentation de la femme du XVIIème au XVIIème siècle:

Chez Vermeer, la femme est délicate, travailleuse, silencieuse, discrète.

Rubens réalise des peintures historiques de nus bien portants. Les canons de beauté ont changé. La femme est une masse adipeuse de chair.

Dans les hasards heureux de l’escarpolette, Fragonard au XVIIIème montre la femme dans des caprices frivoles.

La femme est encore assujettie à l’homme dans ses représentations fantasmagoriques.

La représentation de la femme au XIXème:

Portrait de Juliette Récamier par David

Goya fait de la femme nue un sujet de peinture où celle-ci rayonne dans la toile. Le traitement du blanc est remarquable.

Ingres représente une Odalisque imposant ainsi un nouveau canon de beauté. 1814

Gustave Courbet propose un autre canon de beauté bien en chair.

La femme devient le symbole de la liberté avec Delacroix

Le déjeûner sur l »herbe de Manet est un prétexte pour peindre un nu décalé dans un paysage avec des hommes en costume.

Les impressionnistes représentent des femmes baignées de lumière. Mais les femmes peintres se font connaître et signent leurs toiles. Eva Gonzalès Le réveil, 1877-78 Huile sur toile, 81,5 x 100 cm

La représentation de la femme au XXème siècle:

Gustav Klimt réalise des peintures où la femme est représentée sur un fond d’or. Elle est belle comme une déesse et les matériaux précieux l’entourent.

Egon Schiele propose des corps de femme torturés:

Mucha réalise des affiches où la femme est stylisée en formes courbes très graphiques.

Mais c’est à Picasso que revient le fait d’avoir fait de la femme un sujet de peinture pure dans les Demoiselles d’Avignon.

Lucian Freud montre la femme dans toute sa féminité, simple avec des lumières crues, cherchant à rendre la carnation de la peau.

La femme chez Picasso a un statut particulier: elle guide ses humeurs plastiques.

La femme est une muse chez Dali:

La représentation de la femme au XXIème siècle:

Les femmes se représentent elles-même et entrent dans la scène artistiques de manière magistrale avec le mouvement féministe.

Frida Kahlo est une figure majeure de l’art mexicain. Elle se met en scène dans ses autoportraits.

Les « Nanas » représentent aussi l’intervention de Niki de Saint-Phalle dans le mouvement féministe des années 80.

Mais le côté de Saint Phalle peut se faire violent et provocateur dans ses Tirs.

Martial Raysse, de son coté réalise « peinture haute tension » en 1965, où la femme devient comme un objet publicitaire avec le néon lumineux incrusté dans la toile.

2. La représentation de la femme dans l’art contemporain: la femme égale de l’homme

La femme entre en scène et s’empare de bien des sujets artistiques où elle montre qu’elle n’est pas un objet ni de culture ni de consommation.

Marcel Duchamp désacralise la représentation de la femme comme échouée au sol dans des branchages.

Supermarket Lady, renommée ensuite Lady’s Market ou Caddie est une œuvre de Duane Hanson créée en 1970

Joana Vasconcelos propose une icône sculpturale de la femme contemporaine. Elle montre ses diverses fonctions (fatale et en même temps femme au foyer). Elle milite pour l’image d’une femme émancipée.

Les femmes qui n’ont pas droit à la parole est au coeur du travail de Marie Claude Quignon qui a demandé aux femmes de la Méditerranée de remplir des bocaux parfait avec des objets pour transmettre un message à leur descendance.

Sophie Calle met en scène sa vie amoureuse.

Orlan réalise des performances « le baiser »

Marina Abramovic se considérant comme la mère de la performance. Elle réalise des scènes où elle met son corps au défi de ne ressentir aucune émotions devant le public.

Annette Messager, dans mes voeux, travaille sur la représentation du corps.

Rebecca Horn sculpte le corps féminin avec ses prothèses élancées:

Louise Bourgeois, dans Maman montre une araignée géante:

La femme artiste tisse sa toile dans le champ de l’art contemporain avec Chiharu Shiota:

Biographie sur les femmes artistes:

Féminin-masculin, le sexe dans l’Art, catalogue d’exposition, Paris, Centre Georges Pompidou, 1997.

Yves Michaux (ed.), Féminisme, Art et Histoire de l’Art, Paris : énsb-a, 1994.

Helena Reckitt et Peggy Phelan, Art et féminisme, Phaidon Press, 2005.

Voir une bio plus ample sur le site de Canopé

Autres thématiques ici:

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Dans l’art d’autrefois, les gestes étaient bien codifiés pour aboutir à des catégories artistiques définies. Il y avait le « peindre », le « dessiner », le « graver », le « sculpter », l' »encadrer », etc.

Le geste, comme acte réfléchi dans la genèse de l’oeuvre a été pris en compte dans les traités de géométrie ou de peinture à la Renaissance. C’est Alberti qui écrit le premier dans son traité sur la peinture « je trace d’abord sur la surface à peindre un quadrilatère … ». Le geste fondateur du peintre est désigné: c’est d’abord un tracé géométrique qui délimite les bords de la peinture.

Puis, dans le cours de l’histoire de la peinture, le geste pictural s’affirme de plus en plus pour devenir une touche bien particulière chez les impressionnistes puis les pointillistes. Les Nymphéas de Monet tendent vers l’abstraction.

Il faudra attendre Kandinsky avec son « Point et ligne sur plan » pour décliner toute une série de gestes en montrant que ceux-ci ont un impact sur la toile.

Mais l’acte le plus spectaculaire est celui de Marcel Duchamp, qui en véritable frondeur, décide de choisir un objet du quotidien et de le placer dans un Musée. Le geste artistique est réduit au minimum: il se limite au « choix », à la simple « décision » de l’artiste de sortir un objet du quotidien pour le transfigurer en oeuvre d’art. C’est la naissance du ready-made.

Parallèlement, comme annoncé par les impressionnistes, la peinture, la sculpture s’émancipent de la représentation pour explorer les qualités physiques des outils et supports, des matériaux et des techniques. Le geste jubilatoire artistique est mis en scène de manière magistrale pour lui même et sa plasticité pure. L’acte comme oeuvre entre dans la scène artistique avec la performance et le happening. Le résultat de l’entrée protéiforme des gestes dans le monde de l’art est de permettre de créer des formes nouvelles et inédites.

Les définitions du geste:

L’action et le mouvement du corps et particulièrement des bras et des mains, action et mouvement employés à signifier quelque chose.

Simple mouvement du bras, ou du corps, de la tête.

Terme de danse. Mouvements de la tête, du torse, et surtout des bras, comme les pas sont les mouvements des pieds.

Du Lat. gestus, contenance, geste, de gestum, supin de gerere, porter.

Il s’emploie aussi figurément pour désigner une Action, généralement spontanée, et d’ailleurs bonne ou mauvaise, qui frappe l’esprit, qui attire l’attention.

A

Accumuler:

Arman crée le concept d’accumulation d’objets du quotidien

Assembler:

Robert Rauschenberg assemble des objets divers et techniques différentes. Le geste devient polymorphe.

B

Bâiller:

Tous les soirs durant 3 minutes, de 23h57 à minuit, tout au long du mois de janvier l’artiste Sebastian Errazuriz investit les écrans géants de Times Square à New York qui diffusent normalement des publicités et les remplace par une vidéo en noir et blanc de lui en train de bailler.

Bâcher:

Christo pose des bâches sur des paysages et bâtiments

Bouger,

De superbes peintures à l’huile par l’Artiste coréen Lee Ho-Rion, peintures sensuelles avec l’illusion du mouvement. Le geste est ici représenté.

Boxer

Boxing art,Ushio Shinohara

Brûler:

Quand le feu se décline en couleurs
Yves Klein — Entre symbole et technique, Peinture de feu, 1961

Bernard Aubertin avec ses «tableaux feu» réalisés à partir d’allumettes, dont au final il ne reste plus que traces de fumée et bois calcinés. Bernard Aubertin conçoit ces oeuvres comme autant de révélateurs de la puissance des matériaux.

C

Cacher,

Marcel Duchamp, dans A bruit secret, cache un petit objet dans sa production.

Camoufler:

Liu Bolin se cache dans des décors.

Crocheter,

Joana Vasconcelos fait entrer le crochet dans le monde de l’art.

Compresser,

Compressions de César,

Culpabiliser, punir

Erwin Olaf, dans ses photos parfaites, l’artiste met en scène la honte, les regrets, la culpabilité.

D

Danser,

Trisha Brown

Heather Hansen

Carolee Schneemann Pour elle, il s’agit d’explorer « les qualités picturales de la chair utilisée comme un matériau⁴« . Le corps est à la fois érotique et sexuel, gestique et votif, primitif et archaïque. Selon Schneemann, « le tracé et le geste émergeaient de ma volonté créatrice de femme »

Concept and choreography Lisa Vereertbrugghen and Marta Ziółek; Performance Maria Peralta, Lisa Vereertbrugghen and Marta Ziółek; Photography Katarzyna Szugajew; Advise Simon Asencio.

BODY EYE or how to say – Het veem TRAILER from Marta Ziółek on Vimeo.

Déféquer:

Piero Manzoni enferme ses excréments dans des boîtes de conserve

Dompter

Beuys reste enfermé avec un coyote dans une pièce …

Dormir et se réveiller:

Pierrick Sorin se filme durant des jours à son réveil.

E

Embrasser,

Orlan invite les spectateurs à l’embrasser pour une modique somme.

Empiler,

Joana Vascocelos empile des cocottes pour faire un escarpin géant

Ecrire, compter

Roman Opalka peint une série de nombres sur des toiles. Le geste est minime. Il ajoute les uns après les autres ces nombres comme des tesselles d’une grande mosaïque.

F

G

Gicler:

Jackson Pollock fait couler directement la peinture sur la toile. Il n’y a plus de contact entre l’outil et le support.

H

I

Inciser

Lucio Fontana lacère ses toiles comme pour leur conférer une dimension supplémentaire. Le geste est incisif.

J

Jouer

Marcel Duchamp joue aux échecs pendant une grande partie de sa vie.

K

L

Lacérer:

Villeglé lacère des affiches pour créer des images nouvelles

M

Manger:

Michel Journiac crée Messe pour un corps, action au cours de laquelle le public est invité à consommer un boudin réalisé avec son propre sang.

Marcher:

Wolfgang Laib marche dans la nature pour récolter du pollen

N

Nouer

Ed Pien dans son installation Corridor montre deux murs tissés et noués.

O

P

Pédaler

Benoît Mangin & Marion Laval-Jeantet
Unrooted Trees

Perforer:

Günther Uecker réalise des reliefs de clous. Il troue, perfore le support avec énergie et parfois violence.

Plisser,

Achrome, Piero Manzoni

Plier, déplier

Simon Hantaï

Plonger,

Bill Viola

Porter,

Ron Mueck rend avec brio la précision de certains gestes

Pousser,

Francis Alÿs, la futilité de l’effort vain.

Prier,

Zoulikha bouabdellah, dans SIlence, une installation qui a été censurée

Q

R

Regarder:

Marina Abramovic propose dans sa performance de se placer devant le public et de se contenter de le regarder en silence.

Répandre,

César, expansion

Répéter:

Niele Toroni reproduit des touches de peintures à intervalles réguliers.

S

Sauter,

Yves Klein saute dans le vide. Cela devient une performance artistique

Scarifier,

Gina Pane

Sceller

Piero Manzoni

Scotcher

Numen / For use, installation de scotch transparent, Palais de Tokyo C’est une installation monumentale de Numen/For Use de Sven Jonke ( né en 1973, vit et travaille à Berlin), de Christoph Katzler ( né en 1968, vit et travaille à Vienne et de Nikola Radeljkovic ( né en 1971, vit et travaille à Zagreb).

Sentir,

Toujours Wolfgang Laib

Souffler:

Fiato d’artista, PIero Manzoni

Erwin Wurm avec ses voitures gonflées

Surveiller, filer

Sophie Calle dans ses filatures met en scène sa vie de manière méthodique comme un détective.

Suspendre:

Calder invente les mobiles, l’oeuvre se suspend.

T

Tatouer:

Wim Delvoye tatoue des porcs avec des images de notre culture et société contemporaine

Tirer:

Niki de Saint Phalle tire des billes de peinture.

Anish Kapoor va amplifier le tir pour en faire une installation monumentale

Toucher,

Prière de toucher, Marcel Duchamp. L’artiste rompt le tabou sur les oeuvres d’art intouchables.

Tresser:

Odon tresse et tisse les fils pour tendre ses toiles.

U 

Uriner,

Andres Serrano réalise une photographie d’un crucifix qu’il dit avoir placé dans un contenant avec son sang et son urine. Piss Christ

 V

W

X

Y

Z

D’autres thématiques et articles sur des notions ici:

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La honte, 4ème

Entrée des programmes:

image, oeuvre, réalité

Le point de vue de l’auteur, du regardeur

Objectifs: le rapport au réel. Le travail en série.

Exploration 1: 25 minutes pour réaliser dans de la terre un personnage qui a honte.

Mise en commun:

Quelles sont les différences entre peindre, dessiner ou faire du modelage ?

• quand on dessine, on fait des contours, avec le modelage on travaille dans les trois dimensions.
• quand on fait de l’argile on ne peut pas se tromper, ni gommer. Non! répond un camarade: « on peut reprendre les erreurs »
• c’est plus facile de montrer des émotions avec de l’argile: il y a les fissures de la terre, c’est plus facile de montrer les gestes, les positions
• quand on fait de l’argile, il faut regarder de tous les côtés

Exploration 2: Après avoir pris la photo de votre personnage, amplifiez le sentiment de honte.

Mise en commun:

Qu’apportent les effets ?

Ils amplifient le sentiment de honte

En noir et blanc, c’est plus triste

L’image change de sens.

Réinvestissement 1: A vous de vous prendre en photo en mettant en avant un sentiment de honte. Vous travaillerez en série pour choisir la meilleure. (Travail avec le professeur)

Exemple de séries:

Réinvestissement 2: transformez votre photo en affiche avec comme slogan « non à la honte »

Construire une image en élaborant une stratégie de communication

Références artistiques:

Masaccio, Adam et Eve chassés du Paradis. Ils se voilent le visage.

Le polyptyque de l’agneau mystique de Van Eyck où l’on voit Adam et Eve chassés du paradis avec un grand sentiment de honte. Ils ont pris conscience de leur nudité.

Le cri, Munch, ici c’est la violence du cri qui s’empare de toute la toile. Un autre sentiment.

Erwin Olaf

Lee Jeffries

Affiches

La forme appelle le contour, le cerne. Dès la préhistoire, l’homme a tracé des lignes enfermant des formes identifiables et ce n’est que plus tardivement que le cerne a été remis en question et sublimé par les artistes.

Définition de cerne : dans un dessin ou une peinture, gravure, contour accusé

Définition de contour: ce qui délimite une forme

Les contours dans la préhistoire:

Les hommes préhistoriques utilisaient les contours pour représenter les animaux. Ceux-ci étaient réalisés avec de la terre pilée et passée sur les parois des grottes. Les contours épousaient les formes naturelles. Mais d’autres étaient fixés au pochoir.

Certains animaux ont des contours et d’autres non. Ils se superposent parfois comme s’ils avaient voulu donner un effet de profondeur.

Les contours dans l’Egypte antique:

C’est la civilisation par excellence du contour. Qu’ils soient taillés en bas relief ou peints, les contours prennent un style particulier avec cette particularité d’être pour la première fois stylisés. Par le contour, le spectateur identifie les divinités et personnages. Les contours plus ou moins affirmés renferment les formes et se mêlent à l’écriture.

Les contours chez les grecs:

Les contours sont toujours présents mais c’est aussi un art de la masse qui se développe à cette époque. Dans ce vase ci-dessous, on voit bien les masses noires définir les formes. Mais elles sont entourées par un cerne blanc.

Les contours dans la Rome antique

Les personnages dans les fresques sont toujours représentés par des limites qui les distinguent du décor. Mais les contours sont pris dans la masse de la peinture avec des bords francs. Le contour ne joue plus le rôle de séparation comme dans l’art égyptien. On sent bien la prépondérance du dessin sur la couleur.

Les contours et cernes dans l’art byzantin:

Les cernes s’affirment à nouveau pour enfermer les personnages dans des postures statiques que le contour affirme.

La prépondérance du contour affirme la frontalité des personnages qui nous font face.

Les contours au Moyen-âge:

Les enluminures doivent suivre un protocole bien particulier où les contours précis des éléments sont dessinés d’abord puis ensuite peints. Parfois, ceux-ci restent plus ou moins affirmés dans le résultat final.

Les contours et cernes à la Renaissance:

Dans son traité de peinture, Alberti définit la peinture dans son acte originel comme le tracé des contours d’un quadrilatère qui sera comme une fenêtre ouverte sur le monde.

Les peintres affirment le dessin dans leurs oeuvres où les cernes deviennent fins et disparaissent dans la couleur. Mais parfois, des cernes de construction de l’image restent visibles.

Dans la Naissance de Vénus de Botticelli, on voit les contours autour des personnages et des tissus.

Dans Méthode pour dessiner un luth, Dürer représente l’instrument par une constellation de petits points. Le contour se désagrège …

Les cernes et contours dans la gravure:

Dürer grave son rhinocéros avec des contours bien précis et nourris par une quantité de détails.

La gravure est par excellence l’art des cernes et des contours.

Gustave Doré se sert des contours comme d’un moyen plastique à part entière et avec des hachures réalise différentes textures.

Plus tard, les contours dans la gravure sont toujours aussi présents comme dans la valse à trois temps de Marc Brunier Mestas 

On le voit bien ci-dessus, le cerne et contour isolent les figures du support. On peut remarquer dans cette gravure que même le « contour » de la gravure a été matérialisé.

Le cerne noir et contour de la bande – dessinée: » la ligne claire « 

Il s’agit, à la base, d’un dessin caractérisé, après la réalisation des crayonnés, par un trait d’encre noire d’épaisseur constante. La ligne claire (Klare lijn en néerlandais) est un langage graphique issu de l’école belge de bandes dessinées réunie autour d’Hergé, c’est-à-dire le « style Tintin » associé aux dessinateurs du journal du même nom.

Le cadre comme cerne et contour de l’oeuvre:

Dans cette peinture de Renoir où les contours ont disparu au bénéfice de la picturalité, un cadre doré enferme la toile pour l’isoler du reste de l’espace. Le cadre ne serait-il pas le cerne de l’oeuvre elle-même ?

Le fil de fer comme cerne et contour matériel:

Alexandre Calder réalise des oeuvres en fil de fer. Les contours se matérialisent et jouent avec le vide.

Gormley fait des contours et cernes le sujet de sa sculpture. Les traits jouent le rôle de structure du volume.

La peinture comme cernes et contours:

Fernand Léger utilise le cerne pour composer ses formes. Ceux-ci sont épais et bien affirmés.

Miro crée un équilibre en masses colorées et cernes noirs épais.

Des peintres comme Erro et Combas font des contours et cernes les structures principales de leurs oeuvres.

Erro

Combas, les contours se multiplient autour des formes, noirs, blancs, noirs, rouges etc

Didier Triglia

Les cernes et contours en trois dimensions:

La peinture se met au relief avec cet artiste du street art qui propose des personnages en saillie cernés par des contours noirs qui épousent les formes.

Les cernes et contours deviennent des installations:

Dubuffet met en volume des contours qui affirment les reliefs. Le contour devient un sujet plastique par excellence.

Keith Haring reprend le principe

Les cernes et contours de l’informe:

Jackson Pollock projette de la peinture sur ses toiles qui décrivent des courbes aléatoires. Ne s’agirait-il pas de cerner et de tracer les contours de l’informe ?

Quand les cernes et contours se font lumière:

Martial Raysse dessine les contours d’un coeur avec un néon qu’il fixe à sa toile.

Une crucifixion est dessinée avec un néon. Belle transposition où le Christ se fait lumière.

Le cerne, le contour devient matériau naturel avec le land art:

Des cernes et contours faits avec du scotch

Thomas Hirschhorn utilise le scotch pour entourer des matériaux sans valeur.

Les cernes et contours avec des capsules nespresso !

Les contours en broderie avec  Ana Teresa Barboza

Bref, les contours et cernes ont pris toutes sortes de formes depuis la préhistoire, devenant parfois excentriques ou révélateurs de l’informe comme chez Pollock.

D’autres articles thématiques ici:

https://perezartsplastiques.com/les-notions-dans-les-arts-plastiques/

Prolongement pédagogique:

Classe de 4ème:

Exploration 1: Une feuille, un petit objet et en dix secondes faites son contour.

Mise en commun:

Le contour est-il visible ? Comment est-il ?

Exploration 2: Que ce contour devienne voyant !

Exploration 3: Un contour spectaculaire !

La suite dans quinze jours !

C’est une nouvelle forme de dispositif que je propose ici, avec le début d’une mise en scène guidée par mes soins aboutissant à une mise en commun suivie de réalisations plastiques avec les élèves de 3ème.

Le but et l’objectif de cette séance unique était de les mettre en situation de délivrer un message avec des moyens plastiques. Classe un peu passive au niveau de ses productions, ce dispositif a libéré la parole et les actes des élèves.

Nous avons réalisé le contour d’un élève au sol avec du ruban adhésif avec écrit « fragile » dessus. Puis un élève a tracé un autre contour avec de la peinture noire.

La silhouette est née.

Mon anglais est pitoyable …

Puis, j’ai demandé aux élèves de trouver des solutions pour matérialiser le corps et le rendre vivant :

Après cette installation d’objets dans la silhouette, je leur ai demandé de la rendre « encore plus vivante » !

Enfin, d’autres élèves ont pris la décision de découper la silhouette et de l’installer dans la salle de classe:

D’autres enfin ont pris le parti d’éteindre et allumer la lumière et le son pour donner du mouvement à l’installation.

Référence artistiques:

Keith Haring

Yves Klein

Shiny from Daniel Cloud Campos on Vimeo.

La suite à la rentrée !

Drôle de performance que cette accumulation de contenants avec des personnages souvent dans des postures inconfortables dedans. L’artiste Athy Mad a connu deux vies. La première plutôt dans le refus et la seconde dans l’ouverture. Il nous explique dans cet entretien comment paradoxalement est née en lui un sentiment de liberté grâce à la réflexion sur les notions de cadre et de contours. Cette installation et performace a été réalisée également avec les figurants complètement nus.

Le Projet « CONTOURS » est né d’une réflexion sur la notion de cadre. Elle a pour origine mon histoire personnelle Me consacrer entièrement à l’Art est une 2ième vie pour moi entamée depuis 6 ans. J’ai passé mes 50 1ères années à jouer avec le Cadre, qu’il soit familial, professionnel, social etc … Les 1ières places ne m’intéressaient pas, en revanche, les places à part, flirtant avec les limites du cadre imposé, étaient mon terrain de prédilection. Au début assez plaisante, cette façon de vivre est devenue fatigante, tant pour les autres que pour moi. Je réussissais assez bien, mais avec un sentiment « d’imposture » qui au fur et à mesure que j’avançais prenait le pas sur une relative Liberté qui m’apparait avec le recul comme une illusion … Je ne regrette rien de mon parcours antérieur, mais le prix à payer s’est alourdi de plus en plus jusqu’à me faire réellement craquer.

Cette nouvelle Vie est bien différente. Je me surprends à respecter des cadres existants et/ou que je me crée, dans ma pratique Artistique entre autres, et belle découverte, je m’y sens bien et surtout parfaitement libre. Drôle de constat, vivre « hors cadre » me procurait un fort sentiment d’enfermement, me fixer des cadres me procure un sentiment de Liberté !

Sans vouloir faire de la psychologie « facile », il me semble que vivre en société suppose de tenir compte d’un cadre existant. Se « battre » continuellement avec le cadre, flirter sans cesse avec les limites, devient assez vite épuisant, et peut développer des « enfermements » qui entravent sérieusement la vraie Liberté. Se « plier » au Cadre ne me parait pas non plus très épanouissant. En revanche, « comprendre » le cadre, choisir son propre cadre, et surtout y trouver ses propres Contours me parait être une réponse à la recherche d’une réelle Liberté. En tout cas, personnellement, c’est ce que j’ai trouvé de mieux pour me sentir libre.

Artistiquement, j’ai donc illustré cela à travers le projet « Contours » Il ne s’agissait pas d’enfermer des Personnes dans des contenants (qui représentent un cadre qui de toute façon existe), mais de trouver avec Elles leurs propres Contours.

J’imposais les Contenants, mais en respectant le plus possible l’univers  qui correspondait à chaque Personne : exemples : la valise pour une Personne folle de voyages, le baquet qui symbolise une renaissance, l’arbre qui illustre le besoin de proximité avec la nature de la personne qui l’occupe, le carton pour une personne en plein déménagement, le bonbon pour une Personne dont les grands parents étaient confiseur,  etc …

En fait, ll a été vraiment intéressant d’observer les réactions des visiteurs de l’expo. En 1 ère lecture, on peut avoir un sentiment d’oppression, d’enfermement qui assez vite peut faire place à un sentiment de liberté. Le cadre est imposé, certes, mais y trouver sa place, quelle soit confortable ou non, est un choix personnel parfaitement libre.

Autant de questions auxquelles nous sommes confrontés continuellement : La Vraie Liberté est elle de vivre continuellement hors cadre ou de trouver et aménager ses propres Contours dans un cadre qui de toute façon existe, qu’il soit imposé ou non ?

Arthy Mad, Artiste Plasticien

Les Gao Brothers ont réalisé une oeuvre aux propos similaires:

http://highlike.org/text/gao-brothers/

Quand le sol devient mur, le ciel devient terre, la terre devient mur, l’espace n’est plus perçu de la même manière.

Voici des variations d’élèves sur la perception et la manipulation de l’espace physique de la classe.

Objectif:

tirer parti de son corps, des éléments de la classe pour percevoir l’espace différemment.

Dispositif:

Demande 5 minutes

Réflexion en groupe : 15 minutes

Réalisation: 20 minutes avec la prise de vue

Références artistiques : 15 minutes

Compétences:

-capacité à jouer avec les dimensions de l’espace

-capacité à mettre en scène son corps pour montrer l’espace différemment

-capacité à travailler en équipe

Questions :

-Comment perçoit-on l’espace avec votre dispositif ?

-Quel sentiment provoque votre photographie ?

« Inversez l’espace de la classe ! »

Références artistiques:

Philippe Ramette:

Okgo: Inside out

Réaliser une tour avec des bandes de papier la plus imposante possible.

Prendre en photo votre tour en l’intégrant au collège.

NOtions: structure, espace, échelle, point de vue, proportions, espace, homogénéité

Temps 1: 30 minutes pour construire la tour:

Photographiez la tour en l’intégrant dans le collège:

La semaine prochaine : le réinvestissement: « Encore plus haut ! »

Références artistiques:

Anish Kapoor

La tour Eiffel

La tour Devon

La société de consommation est un système économique déterminant un mode de vie où l’on consomme et jette, des biens et des services, plus que la norme avec la naissance de besoins de plus en plus forts. La société de consommation est une société dominée par la pulsion consommatrice. Elle est née avec l’industrialisation et la fabrication en masse des produits consommables. Ces produits, depuis quelques temps, sont même programmés à ne fonctionner que dans un temps limité. Il suffit de songer au téléphone portable qui, au départ durait des années, et qui maintenant au bout de deux ans ne marche plus pour la plupart.

L’art pose très vite la question de l’objet et de sa place dans nos vies. En 1914 le « porte-bouteilles » (ready-made) de Marcel Duchamp interroge l’art lui même dans la nouvelle société.

Porte bouteilles, Marcel duchamp, le ready made, objet tout fait entre dans les Musées.

Le thème de la société de consommation a été traité par le Nouveau réalisme avec des artistes comme Arman et La Nouvelle Figuration avec Erro.

Arman avec ses poubelles montre l’envers de cette société de consommation: il met sous verre les déchets de cette société.

Erro dans Food Scape fait la critique de cette société avec une étendue d’aliments à perte de vue.

Villeglé lacère des affiches publicitaires pour montrer la dégradation de la société de la consommation dans l’image moderne. Rue de la Biche

César fait des voitures, de la tôle, ses objets de prédilection: 1962, Ricard. Il compacte et compresse des voitures qui deviennent des pavés comme des sculptures inversées.

Martial Raysse réalise des portraits de femme stéréotypées qui deviennent dans ses mises en scène parfois avec des néons renvoyant aux enseignes des magasins, de véritables poèmes modernes. Peinture haute-tension, 1965

En Amérique, le Pop Art critique cette société de consommation avec des oeuvres percutantes. Les Américains après la guerre connaissent une période faste avec une forte croissance économique » Les Trente Glorieuses » avec un mode de vie qui s’améliore. C’est une sorte de révolution silencieuse qui s’opère aux Etats Unis puis en Europe. C’est une période de plein emploi donc de consommation.

Dans les année 50, Richard Hamilton réalise son célèbre collage. «Just What Is It that Makes Today’s Homes So Different, So Appealing ? » (« Au fait, qu’est-ce qui rend exactement les maisons d’aujourd’hui si différentes, si séduisantes ? »). Il montre comment les américains rêvent de vivre avec de beaux objets, une belle maison, une beauté physique parfaite, en fait un monde artificiel et sans âme. Les personnages sont en noir et blanc alors que la femme de ménage, simple, est en couleurs.

Andy Warhol, Coca cola La répétition de la bouteille ainsi représentée fait perdre sa réalité. La production de masse fait perdre la notion d’unicité de l’objet. « Quand on y songe, les grands magasins sont comme des musées  »
Andy Warhol
Andy Warhol

Mais Warhol va plus loin, il traite les stars comme des objets qu’il banalise dans ses productions. Ainsi, Marylin Monroe et Liz Taylor reproduite en série perd de sa substance ainsi démultipliée. Elle devient une icône, comme le logo d’une marque de fabrication.

Dans ce même mouvement Roy Lichtenstein s’inspire de la publicité et de la bande-dessinée pour créer des oeuvres à fort impact visuel.

Duane Hanson, Lady Market, 1970, dans cette sculpture sans socle, l’oeuvre côtoie l’espace du spectateur. L’oeuvre se veut hyperréaliste pour nous questionner sur nos modes de consommation.

Barbara Kruger détourne les affiches publicitaires pour dénoncer la société de consommation: Kruger nous renvoie à nous mêmes

« J’achète donc je suis » reprend la phrase célèbre de Descartes « Je pense donc je suis »

Tania Mouraud peint sur les murs: « What you see is what you get » reprend le même principe

Chris Jordan réalise un photomontage avec la fameuse poupée Barbie dont rêve toutes les filles en montrant un buste de rêve. Il y a 32 000 poupées qui symbolisent les 32 000 opérations chirurgicales mamaires ayant lieu aux EU.

Voici une autre oeuvre réalisée en boîtes de conserves (106 000) qui représentent un tableau célèbre de Seurat:

Ralph Goings, né le 9 mai 1928 à Corning en Californie, est un peintre américain.

C’est le représentant le plus puriste, le plus orthodoxe de l’hyperréalisme. Goings peint à partir de photos qu’il prend lui-même, ses sujets de prédilection sont les extérieurs de restoroutes et les natures mortes de tables de fast-food (salière, bouteille de ketchup, flacon de moutarde, verre de boisson gazeuse). On éprouve une sensation d’écoeurement face à ces objets de consommation peints de manière aussi réalistes.

 

Tony Cragg récupère des objets de plastique qu’il recompose pour faire des bas reliefs modernes:

C.Oldenburg, « lipstick monument in Piccadilly Circus », projet 1966,

En 2010, Damien Saez propose une couverture de son album « j’accuse » une photographie où l’on voit une femme nue dans un caddie. Bien à vendre ? Cette société nous transforme-t-elle nous mêmes en objets consommables ?

David Cintract refuse toute étiquette mais il s’attaque aux représentations de la société de consommation avec ses objets et images cultes.

David Terrazzano est un artiste aux œuvres engagées originaire de Charleroi, en Belgique. Chaque toile pose un regard critique sur nos sociétés modernes.

Jani Leinonen, The Most Terrible Things, 2015. Photo: Finnish National Gallery / Pirje Mykkänen

Jflaxman est un artiste bien talentueux qui se cache derrière ce pseudo. S’exposant exclusivement sur internet, son style provocateur met en scène des personnages terrifiants mêlés à l’iconographie de la société de consommation. Il reprend la célèbre fresque de Michel-Ange.

Julien Garcia réalise des assemblages d’objets divers pour représenter des animaux défigurés par la société de consommation.

Bernard Pras réalise des anamorphoses où les oeuvres d’arts anciennes sont revisitées au prisme de la société de consommation.

Les frères Luo en Chine proposent des oeuvres qui critiquent ce mode de vie aliénant la culture chinoise.

Liu Bolin, artiste chinois disparaît, se camoufle dans un supermarché. Il dénonce les travers de la société de consommation/

Liu Jianhua donne une vision de la consommation à grande échelle, ses gaspillages entre autres.

Un autre artiste chinois critique notre société moderne: Ru Xiaofan (voir article ici)

Le Political Pop Art est un des courants majeurs de l’avant garde chinoise. Né dans les années 80, il est représenté par Wang Guangyi, artiste chinois né en 1956 à Harbin, province de Heilongjiang.Ce mouvement métisse l’iconographie de la Révolution culturelle chinoise avec celle de la société de consommation de masse: le communisme et le marketing.

Romuald Hazoumé « ARTicle 14 débrouille-toi, toi même» 2005, Installation, médias divers Londres, montre des marchands ambulants dans une Afrique elle aussi touchée par les objets de consommation. Il montre les systèmes D de ces marchands qui vendent les produits venus des pays riches.

Les street artistes dénoncent eux-aussi la société de consommation, et nous terminerons par ce graff éloquent:

Banksy, La chute

D’autres thématiques ici:

https://perezartsplastiques.com/les-notions-dans-les-arts-plastiques/

Pendant longtemps, la psychologie n’a pas profité à l’enseignement. Celui-ci dispensait son savoir de manière descendante sans se soucier du profil de l’apprenant. L’enseignant joue le rôle d’un modèle inaccessible tant son savoir est grand et sa parole ayant valeur d’un dogme.

Mais depuis des décennies, la psychologie a changé la manière de percevoir le fait d’enseigner en proposant d’autres systèmes qui pour certains, renversent les rôles: où l’élève devient le constructeur de son savoir et de ses compétences.

J’ai repris le plan de la source plus complète en fin d’article de l’Académie de Nice. Une relecture à partir de notre discipline.

Le modèle transmissif d’apprentissage:

C’est le cours magistral par excellence où les élèves écoutent, prennent des notes et osent parfois, quand la parole leur est donnée, de poser des questions. La géométrie de cet enseignement est verticale et pyramidale: du haut vers la base.

L’enseignant fait sa transposition didactique chez lui et transmet ses connaissances à son public. Il ordonne sa pensée selon une progression et bien souvent l’évaluation est sommative en fin de parcours.

L’élève est celui qui ne sait pas et l’enseignant celui qui sait. Ce modèle transmissif me rappelle cette période de ma vie au collège où l’enseignant de dessin me disait « je ne peux pas mettre 20/20 car rien n’est parfait ». Il y a de l’ordre du divin dans ce schéma qui existera toujours dans l’esprit de certains enseignants.

C’est un peu une logique de l’entonnoir où le maître déverse dans les têtes « vides » de ses élèves le tout ou une partie de son savoir. Il y a une barrière infranchissable entre celui qui sait et celui qui ignore: l’estrade en est la matérialisation. Certaines dispositions de classes se prêtent mieux à ce genre de technique d’enseignement: des tables alignées ou en U, bien que cette dernière soit plus révolutionnaire.

Les élèves doivent être sages et sont maintenus dans une passivité cérébrale, se contentant de prendre des notes de ce qui se dit. Ce modèle convient à des élèves autonomes et responsables, attentifs et à l’écoute.

Le rythme est le même pour tous et on entend souvent cette phrase en conseil « mais il n’a pas rattrapé ses leçons ! ». Comment développer l’esprit critique dans un tel cadre ?

Le comportementalisme ou behaviorisme:

Cette tendance a été une première révolution dans nos manières d’enseigner durant la première moitié du XXème siècle. Le behaviorisme est un terme inventé en 1913 par l’américain Watson, vous savez, l’ombre de Holmes ! La psychologie s’intéresse à la science du comportement. Un schéma de circulation de l’information enseignée est proposée par ce courant: S (stimulus) > R(réponse). Un stimulus engendre une réponse. Basé sur les stimuli et la répétition, ce schéma est un peu réducteur de l’apport de cette théorie. La Pédagogie par Objectifs est née de ce courant, et l’Enseignement assisté par un ordinateur.

Pour les comportementalistes, le cerveau est une boîte noire dont seules les entrées et les sorties sont intéressantes. Ils ne considèrent pas l’apprenant comme un sujet élevé dans un cadre socio-affectif donné et vivant dans un cadre précis.

Mais le comportementalisme permet entre autres  d’évaluer différemment les élèves que par la forme binaire vrai-faux et il propose des solutions pour permettre à l’élève d’améliorer ses performances. L’élève devra être capable de … savoir … maîtriser: telles sont les phrases comportementalistes à l’oeuvre dans ce type d’apprentissages. Notre discipline d’arts plastiques est bien fondée pour une part sur des théories behavioristes. Observer le comportement de l’élève face à la nouveauté ou à la difficulté permet de comprendre où il y a une faille dans ses mécanismes d’apprentissages.

Le comportementalisme a mis une limite à la toute – puissance du maître selon le modèle transmissif et a permis une meilleure observation des apprenants. Dans nos disciplines c’est flagrant.

La force de ce courant est de pointer si l’objectif correspond bien aux évaluations données. Il y a plus de rigueur dans l’appréciation des qualités des élèves.

Mais ses limites concernent les objectifs plus complexes à réaliser par les élèves: ce n’est pas parce qu’ils auront réussi la totalité d’une quantité de sous-objectifs qu’ils atteindront forcément l’objectif final visé. En matière d’apprentissage, le tout peut ne pas être la somme des parties qui le composent.

L’apprentissage se fait par essais, par erreurs et conditionnement.

Le constructivisme:

Les connaissances sont construites et édifiées par les apprenants.  L’enseignant pose l’apprenant face à une question ou un problème ouvert et celui-ci va traverser trois phases selon le modèle de Piaget:

La phase d’assimilation: Les données sont intégrées par l’élève qui les associe, les compile avec ce qu’il sait déjà. IL va du connu vers l’inconnu.

La phase d’accomodation: Le sujet a été « perturbé » par de nouvelles informations sur lesquelles il a agit et qu’il a fait siennes.  Son paysage mental a évolué et il est capable de transposer ces nouvelles données dans son environnement. Il voit les choses différemment.

C’est intéressant de remarquer que les mouvements de la phase d’assimilation et d’accomodation sont contraires: l’un est centrifuge et l’autre centripète.

La phase d’équilibration: L’intelligence est une forme d’adaptation et c’est en observant ses enfants que Piaget a décrypté ces strates dans sa théorie des apprentissages. Le sujet va rechercher sa solution la plus adéquate à son équilibre.

La force de ce système est de proposer plutôt des environnements de travail où la pensée pourra se faire et se défaire et où le sujet sera amené à s’auto-observer.

L’apprentissage se fait par l’action. C’est une conception sctructurale de l’apprentissage et c’est cette structuration qui conditionne  l’appréhension de la réalité. L’évolution part du concret vers l’abstrait.

Les 4 étapes d’un problème ouvert:

1. L’élève mobilise ce qu’il sait déjà pour tenter de résoudre le problème. Assimilation
2. L’élève n’y arrive pas: il prend conscience de ses limites et naît alors un conflit cognitif.
3. Il va adapter ce qu’il sait à la nouvelle situation en cherchant une nouvelle solution.
4. L’élève construit lui m-eme son savoir et ses compétences. Il est l’auteur de lui-même et non dépendant de l’enseignant.

Le positif dans le constructivisme c’est que l’élève sent en lui-même la construction de ses savoirs et de ses compétences: et dans ce sens il s’élève lui-même.

Le socio-constructivisme:

Le socio-constructivisme fait entrer une donnée non négligeable: celle du milieu et de l’environnement. Il y a des interactions entre les apprenants. Les échanges élèves-professeur et élèves-élèves sont pris en compte. C’est bien sur cette base que nous travaillons en arts plastiques. Songeons aux mises en commun. L’évaluation sera formative et permettra à l’apprenant de contextualiser ses connaissances. On peut penser que Piaget est au constructivisme ce que Vygotski est au socioconstructivisme.

Ce courant de pensée avance la thèse que nous ne nous construisons qu’en société et dans le groupe. Le cerveau n’est pas la boîte noire des comportementalistes. Pour Vygotski, la connaissance va du social à l’individuel.

« Pour Vygotski, la direction du développement de la pensée va du social à l’individuel. Les outils intellectuels élaborés par l’individu le sont tout d’abord au cours d’interactions, d’échanges. Il y a une double construction des fonctions psychiques supérieures, chaque fonction apparaissant deux fois, ou se développant en deux temps : « d’abord comme activité collective, sociale et donc comme fonction inter-psychique, puis la deuxième fois comme activité individuelle, comme propriété intérieure de la pensée de l’enfant, comme fonction intra-psychique » (Vygotski, 1935/1985, p. 111). » voir sources à la fin.

L’élève pourra un jour réaliser seul ce qu’il a construit avec autrui. Dans ce système, enseigner c’est avoir une petite longueur d’avance sur les élèves et le groupe classe et proposer des problèmes ouverts où la plupart d’entre eux pourront s’approprier les réponses. Les élèves s’enrichiront mutuellement par leurs découvertes et expériences. Nos apprentissages par explorations et réinvestissements proviennent de ce système là.

L’enseignant n’est plus un orateur, c’est un soutien, un passeur, un formateur, un médiateur de compétences et de savoirs. De plus, les informations sont reliées à des perceptions sensibles du groupe, des autres.

L’apprentissage se fait par observation, imitation, dépassement.

Le processus d’étayage:

Bruner propose deux idées forces:

• la connaissance est le noyau de la culture qui donne forme à l’esprit
• l’activité de l’esprit ne se fait jamais seule, de manière isolée du reste du monde.

Bruner critique le modèle transmissif où finalement maître et élèves sont passifs. rien ne se construit dans ce modèle d’apprentissage de manière sociale et active. Pour lui, apprendre est « un processus interactif dans lequel les gens apprennent les uns des autres » (ibid., p. 38) Ce qui est bénéfique pour l’élève dans le processus d’étayage tient aux composantes socio-affectives qu’aux aspects cognitifs ou intellectuels.

Aspect socio-affectif:

L’élève n’a pas une relation neutre avec son enseignant. Celui-ci doit maintenir la juste distance entre lui et la connaissance un peu comme un équilibriste. Il ne doit pas entretenir la dépendance et guider dans le retrait l’élève vers la réussite.

Aspects cognitifs:

C’est pour l’enseignant une manière de montrer le chemin sans en dévoiler la trace, c’est partir des acquis des élèves et de les guider dans le retrait vers la solution. C’est un rôle d’arbitre qu’il joue dans sa classe avec bienveillance et discrétion.

Le conflit socio-cognitif:

consiste à construire des problèmes où les solutions pourront être divergentes mais où cette divergence ne porte pas sur les élèves. Les apprenants seront en proie à l’étonnement et prêts au dialogue. L’art du maître est de trouver des activités qui vont faire émerger des désaccords qui seront entendus et validés par la classe après le dialogue. Le savoir n’est plus unilatéral mais permet une forme de pensée en réseau et non plus binaire.

La métacognition:

C’est le phénomène de pensée qui permet à l’élève de réfléchir à ce qu’il fait ou est en train de faire. C’est une forme de pensée sur de la pensée ou de l’agir. Le regard de l’élève est porté à la fois sur l’objet qu’il travaille et sur lui-même. Nos mises en commun favorisent cet état de métacognition où les élèves apprennent à réfléchir en faisant ou en découvrant ce que les autres ont fait. L’élève apprend à apprendre.

L’apprentissage coopératif:

L’enseignant se base sur ce que les élèves peuvent s’apprendre entre eux. Le travail de groupe est le meilleur système pour y parvenir. Mais les élèves peuvent-ils être des enseignants ? Ils échangeront des pratiques, des savoirs faires mais en terme de connaissances ?

« S’agissant de la démarche des élèves, Pléty met en évidence trois aspects : – reconnaître ce qui est à faire, – organisation temporelle du travail, – succession des opérations en vue d’atteindre un objectif. Pléty note qu’il y a souvent un écart important entre la démarche de l’enseignant caractérisée par ses aspects déductif et affirmatif, et celle de l’élève qui est au contraire très pragmatique, inductive et analytique. » voir source

Le tutorat:

Les effets peuvent être positifs d’un parrainage ou tutorat. Il peut être valorisant pour celui qui soutien et déculpabilisant pour celui qui est aidé. La transmission est ici transductrice.

La classe inversée:

L’enseignant met dans les mains des élèves du travail à lire et à apprendre à la maison. Le cours le lendemain commence donc sur des acquis avec des exercices complétant cette activité à la maison. Pouvons-nous, enseignants d’arts plastiques adopter ce système qui éliminerait toute forme d’étonnement lors de la mise en route de nos séances ?

Le connectivisme:

Le connectivisme est une « théorie de l’apprentissage développée par George Siemens et Stephen Downes et basée sur les apports des nouvelles technologies. Elle s’appuie sur leur analyse des limites du béhaviorisme, du cognitivisme et du constructivisme afin d’expliquer les effets de la technologie sur la façon dont les gens vivent, communiquent et apprennent » (wikipedia). C’est un courant qui montre qu’on peut co-apprendre avec des outils numériques seul, sans la présence du professeur. « Comment les nouvelles technologies peuvent aider à prolonger le style d’apprentissage avec amusement aux personnes de tous âges, qui permet à chacun d’apprendre à travers la conception, la lecture et le partage ? »Lifelong Kindergarten: Design, Play, Share, Learn 

Conclusions:

Le modèle socio-constructiviste est le plus adéquat à notre discipline mais parfois le modèle transmissif est présent quand nous devons apporter des informations sur des oeuvres d’art non visibles et déductibles par les élèves. Mais cette situation est rare.

Le savoir est en perpétuelle évolution tout comme le sont les compétences. Alors, changeons nos tables de place, circulons dans l’espace de la classe, proposons des problèmes ouverts à nos élèves.

Pour ma part, je suis en mutation et je construis des séquences où les difficultés sont croissantes pour les élèves, conçues comme une sorte non pas de problème ouvert mais de promenade sans tracé unique pour parvenir à leurs fins.

Suite de l’article ici: Partie 2

https://perezartsplastiques.com/2017/02/14/les-theories-de-lapprentissage-au-service-des-arts-plastiques/

Sources:

http://www.ac-nice.fr/iencagnes/file/peda/general/Theories_apprentissage.pdf

Du bout de papier à la sculpture en trois dimensions:

Objectif: appréhender le geste sculptural

Exploration 1:

assemblez sans scotch ni colle deux morceaux de papier découpés aléatoirement :

Exploration 2:

Ajouter un autre morceau de papier à votre volume

Exploration n°3:

ajouter encore plus de papiers …

Exploration 4

Travaillez tous les points de vue de votre volume en montant le plus haut possible

Evaluation

• capacité à travailler dans toutes les dimensions
• capacité à réaliser une sculpture solide
• capacité à monter le plus haut possible
• capacité à trouver des solutions plastiques pour créer des assemblages

Références artistiques:

Richard Serra

Eldekan

Eduardo Ramírez Villamizar

Programmes 2016:

mobiliser des gestes en fonctions des effets qu’ils produisent

anticiper les difficultés éventuelles

Les fabrications et la relation entre l’objet et l’espace

L’autonomie du geste sculptural

La mise en regard et en espace

• découverte et expérimentation du travail en volume (modelage, assemblage, construction, installation…) ;
• les notions de forme fermée et forme ouverte, de contour et de limite, de vide et de plein, d’intérieur et d’extérieur

Le témoignage: